Análisis y crítica del arte gótico

                               

INTRODUCCIÓN:

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en europa occidentaL durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente.Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.

ANTECEDENTES HISTÓRICOS:

1. Nació, durante la Baja Edad Media, en un momento de cambios económicos, sociales y políticos que supusieron el incremento del crecimiento económico y de la producción agrícola, esto conllevó un auge del comercio y del poder urbano, mientras que en lo político se fortaleció la autoridad de las monarquías frente a la nobleza.

2. supusieron la renovación de la estructura socio-económica que potenció una nueva concepción de Dios y del hombre.

3. El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

4. En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos.

5. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

6. El Arte Gótico se caracteriza por la construcción de monumentales edificaciones como las catedrales, que a diferencia de sus antecesoras (edificaciones románicas) están dotadas de mayor iluminación.

7. La Iglesia tuvo que adaptarse a la ciudad y su nuevo entorno y a la mentalidad burguesa. Esta adaptación se realizará con la fundación de nuevas órdenes religiosas (mendicantes) como los: Franciscanos, Dominicos, etc., que se dedican a la oración, a la limosna y al trabajo con los pobres. La Iglesia seguía dominando todos los aspectos de la vida. Utilizó el arte gótico para su propia propaganda.

8. Frente al anonimato que hasta ahora había caracterizado al artista del medievo, la consideración social del artista del Gótico aumentó hasta tal punto que muchas obras fueron firmadas por sus propios creadores.

9. La arquitectura gótica se caracterizo por la ligereza estructural y la iluminación de las naves de los edificios.

10. En Francia, durante la segunda mitad del siglo XIII y la primera del XIV se origina la dificultad de desarrollar la pintura mural debido a la ausencia de muros en las grandes construcciones góticas. Ello provoca que el interés principal de la actividad pictórica se dirigiera hacia las vidrieras y las miniaturas.

ELEMENTOS DE LA ARQUITECTURA GÓTICA

partes vista en planta iglesia gótica

CUBIERTAS

                  

Arcos de la arquitectura gótica

                                                       

ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS

 ANÁLISIS DE IGLESIAS:

Catedral de Reims Amiens y de Chartres:

CATEDRAL DE CHARTRES

CATEDRAL DE REIMS

CATEDRAL  DE AMIENS

Estas tres específicas pertenecen al conjunto de las catedrales clásicas de Francia Están dedicadas a religión católica.

Poseen varias torres unidas al cuerpo principal, con enormes vitrales, grandes rosetones rematados con un gablete. En sus fachadas se utilizaron principalmente contrafuertes y arbotantes para poder soportar el peso de las bóvedas y darle rigidez al edificio.

Las plantas en si tiene naves, transeptos y ábsides con girolas y capillas radiales. Como elementos constructivos destacan sobretodo el arco ojival y la bóveda de crucería. En sus interiores se destaca la esbeltez de su estructura y presentan tres niveles: arcos, triforios y ventanas.

-PERÍODOS GÓTICOS

1. Gótico temprano:

En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias.

Fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas

En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las creaciones posteriores.

Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales

Un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la altura de forma vertiginosa. Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales superiores (claristorio)

2. Gótico clásico

Se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical. Cada vano se organiza mediante una estructura geminada, dividido por un parteluz y decorado con motivos de tracería como tréboles, óculos o cuadrifolios. La catedral de Chartres sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas.

Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210). Con sus equilibradas proporciones, Reims representa el momento clásico de serenidad y reposo en la evolución de las catedrales góticas.

La tracería calada, característica de la arquitectura gótica tardía, fue utilizada por el primer arquitecto de Reims.

En la tracería calada cada ventana se subdivide en dos o más arcos apuntados por medio de finas columnillas de piedra llamadas parteluces, y en la parte superior aparece un diseño que produce el efecto de un recortable.

Redujo el claristorio en favor del cuerpo de arquerías y del triforio.

Enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares.

3. Gótico radiante o rayonnant

El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo.

La altura dejó de ser el principal objetivo, y en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería, extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería.

Los muros de este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas.

Los inmensos ventanales, que se elevan casi desde el nivel del suelo hasta el arranque de las bóvedas, ocupan la totalidad del espacio entre los haces de columnas, transformando de este modo la capilla en una robusta armadura pétrea recubierta por superficies acristaladas por donde se filtra la luz a través de vidrieras multicolores.

El progresivo aumento de los vanos hizo posible la creación de un ambiente interior sacralizado y simbólico a través de la luz coloreada que pasaba a través de las vidrieras. Los colores dominantes fueron el azul oscuro y el rojo rubí brillante.

En las ventanas de las capillas subsidiarias y de las naves laterales se dispusieron pequeñas vidrieras en forma de medallones, que ilustraban episodios bíblicos y de la vida de los santos

4. Expansión de la Arquitectura gótica

Las catedrales españolas no fueron copias provincianas de los modelos franceses, y en ellas se perciben características arquitectónicas y decorativas propias de la cultura hispana, como la introducción de elementos mudéjares.

En el siglo XIV el mayor desarrollo arquitectónico tuvo lugar en Cataluña y Levante.  El modelo de catedral en esta área se adecuó a los postulados del sur de Francia, por lo que se ha denominado gótico mediterráneo. Este estilo se caracteriza por el predominio de la planta de salón —consistente en la disposición de naves a la misma altura—, la diafanidad espacial, el aprovechamiento de los vacíos entre contrafuertes para alojar capillas, la escasa iluminación y la supresión de los arbotantes, lo que se traduce en exteriores macizos y sin esa tendencia a la verticalidad propia del gótico francés más ortodoxo.

En Alemania, el gótico también apareció a lo largo del siglo XIII, aunque en una primera fase convivió con los esquemas románicos autóctonos, se materializó el modelo de iglesia-salón característica del gótico mediterráneo.

En Italia y Gran Bretaña la influencia francesa  fue escasa.

En Gran Bretaña, la influencia de la arquitectura gótica francesa tan sólo se manifiesta en dos ocasiones, los arquitectos ingleses desarrollaron su propio lenguaje gótico que enfatizó la longitud y la horizontalidad. La girola poligonal o semicircular francesa se sustituyó por una cabecera cuadrada, prolongada en ocasiones por una rectangular Lady chapel o capilla de la Virgen. Este acusado alargamiento de la planta, a menudo determinó el uso de dos transeptos y la multiplicación de nervios en las bóvedas, algunos de los cuales fueron puramente ornamentales.

5. Gótico final

Gótico flamígero o flamboyant, nombre derivado de los paralelismos entre los motivos de la intrincada tracería curvilínea y la forma de las llamas. La profusa decoración del estilo flamígero se localiza generalmente alrededor de los vanos exteriores. El interior de las iglesias emprendió un proceso de simplificación basado en la eliminación de obstáculos visuales, como los capiteles sobre soportes verticales. El interés estructural se concentró en las bóvedas, cuyos nervios, terceletes y ligaduras conformaban una tupida red de complicados diseños.

a.    Estilo flamígero (flamboyant)

La arquitectura flamígera se origina en la década de 1380 con la obra del arquitecto cortesano francés Guy de Danmartin. Sin embargo el estilo no se consolidó hasta la conclusión de la guerra de los Cien Años  El auge de la arquitectura flamígera se produjo entre el final del siglo XV y el primer tercio del siglo XVI en la obra de Martin Chambiges y su hijo Pierre

Difundido por gran parte del continente, el estilo produjo sus frutos más elaborados en España. Creación del denominado estilo hispano-flamenco, caracterizado por la fusión de formas flamencas y mudéjares. También recibe el nombre de isabelino por corresponder cronológicamente con el reinado de Isabel I la católica. Entre los arquitectos más destacados de este último gótico cabe reseñar a Hanequin de Bruselas ,Juan Guas, con Antón y Enrique Egas; Juan y Simón de Colonia, Juan Gil de Hontañón,

En Portugal, durante el reinado de Manuel I (1495-1521), apareció un gótico nacional conocido como estilo manuelino, marcado por la profusión ornamental de motivos exóticos y marineros

b.    Estilo perpendicular

Inglaterra también tuvo su propio estilo gótico tardío, el estilo perpendicular, Se caracteriza por el uso de molduras verticales en los muros y las tracerías y por las bóvedas de abanico.

PINTURA GÓTICA:

La pintura mural, que se dio tanto en las iglesias antes del gótico, desaparece con la llegada de este estilo. La arquitectura gótica introduce grandes ventanales en los muros de sus construcciones, con lo que el espacio que antes estaba destinado a las pinturas ahora está ocupado por una vidriera. De la misma forma, la gran altura de las bóvedas de crucería dificulta que éstas estén pintadas. Por estos motivos en Europa se aprecia unflorecimiento de la pintura sobre tabla, principalmente en los retablos adosados a la pared. El estudio de los retablos permite analizar la evolución de la pintura durante todo el gótico. De una estructura formada por una sola tabla se pasa a la formada por tres tablas, las laterales suelen ser móviles para poder cerrar el conjunto. Ya en el siglo XIV se impone el retablo rígido con múltiples tablas.
El retablo está organizado con un cuerpo inferior de menor tamaño que el resto, el el banco o predela. El conjunto se organiza horizontalmente en cuerpos y verticalmente en calles, separadas por las entrecalles. La calle central es la más ancha de todo el conjunto. La técnica utilizada en estos retablos es generalmente el temple, en el que se utiliza el huevo o la cola obtenida de los huesos de los animales como aglutinante de los colores. Desde el siglo XV se comienza a utilizar la pintura al óleo, inventada por los pintores flamencos y que utiliza el aceite como aglutinante.

EJEMPLOS DE PINTURAS GÓTICAS:

TEMA: Anunciación

Se representa por primera vez un ángel arrodillado ante la virgen (table central).

En las tablas laterales se sitúa una santa y el santo patrón de siena. (Las laterales no son realizadas por el autor)

TÉCNICA; Temple sobre tabla.

PRESENTACIÓN: Marco de madera que simula una arquitectura. Arcos polilobulados y ojibales, sostenidos por columnas que separan la tabla central de las laterales.

Fondo dorado en influencia bizantina.

Figuras con contorno muy fino.

La virgen y el ángel se realizan con lineas sinuosas (espiritualidad y simbolismo) muy detallista.

La virgen tiene más relevancia en la pintura (es más grande que el resto)

Son figuras languidas y esbeltas.

COLORES: La virgen representada en un rojo intenso y negro, no hay luz ni sombra, si no hay presencia de luz no hay volúmenes ni búsqueda de profundidad. Así que no prestan atención a la perspectiva.

AUTOR: Simone Marttini

AUTOR: El Giotto

LOCALIZACIÓN: Capilla Scovegni, pertenece al trechento, siglo XIV.

ANÁLISIS:

-          Técnica: Pintura al fresco

-          Tema: Pasaje del nuevo testamento. Beso de judas en el monte de los olivos después de delatar a Cristo.

CARACTERÍSTICAS:

-          Búsqueda del espacio pictórico en la composición:

Judas como protagonista centralmente situado mientras se besa, en los laterales: una diagonal de personajes que se superponen, tras la multitud un paisaje de fondo, marcando un plano.

-          Coloca a los personajes de espalda para crear un circulo y multiplicar los planos, Dándonos espacios.

-          Colores cálidos con fondo frio (cielo y vegetación)

-          Luz conceptual, iluminando con un foco de luz artificial para conseguir volumen en las figuras corpulentas tipicas en el Giotto.

-          Individualiza los rostros y tienen diferentes rasgos y edades.

-          Hay comunicación y movimiento entre los personajes.

AUTOR: Giotto, Máximo representante de la escuela florentina, realizo su aprendizaje junto a Cimabue. Sus obras más interesantes están en Asís, Padua y Florencia.

-PINTORES DEL ARTE GÓTICO:

1. GIOTTO DE BONDONE

   

(Giotto di Bondone; Colle di Vespignano, actual Italia, 1267-Florencia, 1337) Arquitecto y pintor italiano. Fue el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de sutiempo y explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento.

Existen discrepancias en cuanto a sus orígenes y su formación, pero parece seguro que se formó con Cimabue, en cuya tradición iconográfica se inscriben algunas de sus creaciones, como el Crucifijo de Santa Maria Novella, donde la figura de Cristo está dotada de un sentido humano más profundo que en su maestro. La obra más antigua que se le atribuye son los frescos de la iglesia superior de Asís, en concreto la Historia de san Francisco, si bien esta atribución constituye uno de los problemas más debatidos de la historia del arte. Está documentada con seguridad la presencia de Giotto en Asís hacia 1290, pero existen demasiadas diferencias estilísticas entre esta obra y otras asignadas con seguridad al maestro.

En 1304 Giotto se trasladó a Padua para pintar los frescos que la familia Scrovegni le encargó en una capilla de su propiedad. Los frescos de esta capilla, denominada de los Scrovegni o de la Arena, son los únicos que se asignan con certeza al maestro. Incluyen un Juicio Final (muro oeste), una Anunciación(arco del presbiterio) y escenas de la Vida de la Virgen y de la Pasión de Cristo (muros restantes), bajo los cuales figuran personificaciones de virtudes y vicios pintadas en grisalla con objeto de crear efectos de relieve.

La obra en su conjunto denota una nueva concepción de la pintura por la atención que presta el artista tanto a la creación de efectos de perspectiva como a la unificación del espacio, que acierta a integrar las figuras con los elementos arquitectónicos que les sirven de marco. Realza la solemnidad y el dramatismo que impregnan estas escenas el empleo de colores puros y matizados.

-BARTOLOMÉ BERMEJO:

                                          

Bartolomé Bermejo es considerado como uno de los más importantes artistas góticos españoles. A pesar de ello, no se conocen muchos datos de su vida. Se sabe que nació en Córdoba. Por su estilo, se supone que estudió en Flandes.

La obra de Bartolomé Bermejo se enmarca en la pintura gótica del siglo XV, dentro de la tendencia hispano-flamenca. Aunque nació en Córdoba, su estilo no es andaluz, sino que es el maestro más representativo de la escuela aragonesa, desarrollando en estas tierras la mayor parte de su trayectoria.Trabajó principalmente en los territorios de la Corona de Aragón. Colaboró con Martín Bernat y Miguel Ximénez, a los que se considera sus continuadores. Se piensa que pudo estar en Valencia, después se documenta su actividad como pintor en Zaragoza (1474-1477), Barcelona (1486-1495) y después, es posible que pasara a Castilla, por encargo de Isabel la Católica.

Su estilo está influido por la escuela flamenca, en particular por Roger van der Weyden, Jan van Eyck y Dirk Bouts. En su estilo destaca dominio de la perspectiva, la representación minuciosa de los detalles y la óptima técnica al óleo son característicos del arte flamenco. De este hecho se deduce que muy posiblemente se formara en la Flandes o con pintores de esta escuela. Otros rasgos son su profunda fuerza y el naturalismo en el paisaje.

Ignorado por la historiografía del arte durante siglos, el descubrimiento de este pintor se remonta a principios del siglo XX. Hoy en día, Bermejo es uno de los más conocidos pintores españoles. . Francisco Zueras le dedicó un estudio.

-FRA ANGELICO

Nació en 1395 en Vicchio, Toscana (Italia). En 1407 ingresó en el convento dominico de Fiesole. Entre 1409 y 1418 estuvo exiliado junto con el resto de la comunidad, por su oposición al papa Alejandro V. En el año 1438 empezó a pintar el convento de San Marcos, en Florencia. En 1447 fue a Roma, donde inició la decoración mural de la capilla de Nicolás V, en el Vaticano. Prior del convento de Fiesole entre 1448 y 1450, siguió trabajando en Roma y Florencia. Se cree que inicialmente fue discípulo de Lorenzo Monaco, cultivador del estilo gótico internacional. Desde ese punto de partida añadió a su lenguaje pictórico las aportaciones de Masaccio, enriquecidas con un hallazgo genial: el uso de la luz con una intención no naturalista, sino estética y expresada a través de un uso inteligente del color. Su pintura es sobre todo religiosa y está dominada por un espíritu contemplativo. Concibe la pintura como una especie de oración. Sus temas más frecuentes y característicos son la Virgen con el Niño, la coronación de la Virgen y laAnunciación. En sus representaciones del paraíso pinta con dedicación y amor las flores y hierbas de los prados por donde caminan los elegidos. Una de sus obras más importantes es "El Descendimiento", en el que se presta más atención a la veneración y amor de los santos que al sufrimiento de Cristo. Fra Angélico parte del gusto preciosista y delicado del gótico internacional, enriquecido con el interés por la perspectiva característico de la época. Insiste más en la línea que en el color. Por sus temas, por su tratamiento de la naturaleza, por su incorporación de la arquitectura, es sin duda renacentista. La mayor parte de sus obras se conservan en el claustro, las celdas y las salas del convento de San Marcos (Florencia), que están cubiertas de murales de fra Angélico con escenas y figuras religiosas "Dos dominicos atendiendo a Jesús peregrino", "San Pedro Mártir". De entre los frescos de la capilla del papa Nicolás V, en el Vaticano, destacan "La leyenda de san Esteban" y "La leyenda de san Lorenzo". Fra Angélico falleció en Roma el 18 de febrero de 1455.

ESCULTURA DEL ARTE GÓTICO

La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales.

La escultura de los siglos XII y principios del XIII tuvo un carácter predominantemente arquitectónico.

Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes. A veces, la estatua-columna tiende a liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura exenta.

En el estilo considerado protogótico destacan las estatuas-columna del famoso pórtico de la. En Francia cabe reseñar las estatuas-columna de la fachada occidental de la catedral de Chartres, que datan aproximadamente de 1155. Las estatuas del pórtico Real de Chartres poseen unas proporciones y un sentido del volumen que revelan un naturalismo ajeno al mundo románico. Sin embargo, las estatuas-columna no eran las únicas manifestaciones escultóricas figurativas de las portadas, que seguían un rico y elaborado programa iconográfico centrado en los altorrelieves del tímpano, arquivoltas y en menor medida, en los dinteles de las puertas. En los parteluces, solían aparecer estatuas de la Virgen, Cristo o algún santo relacionado con la iglesia catedralicia.

Sin embargo, las manifestaciones protogóticas todavía conservaban un cierto carácter románico. En torno a 1180 la estilización románica evolucionó hacia un periodo de transición en el que las estatuas comenzaron a asumir una serie de rasgos naturalistas como la gracia, elegancia, solemnidad, sinuosidad y libertad de movimientos. Este estilo ‘clasicista’ culminó en la primera década del siglo XIII en las series de esculturas de las portadas de los transeptos norte y sur de la catedral de Chartres.

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Aparición del naturalismo

Los convencionalismos en el tratamiento de los pliegues fueron reemplazados por volúmenes más sólidos y naturales esculpidos en forma tubular, característicos de la escultura gótica posterior. Al mismo tiempo las estatuas se liberaron del soporte arquitectónico.

Se consolidó el típico rostro de las figuras góticas: forma triangular, mentón destacado, ojos almendrados y una marcada sonrisa. Al mismo tiempo se inició la representación de posturas y gestos amanerados, que resultan de una síntesis entre las formas naturalistas, la elegancia cortesana y una delicada espiritualidad.

Otros géneros desarrollados por la escultura gótica fueron las imágenes votivas, esculturas de bulto redondo de pequeño tamaño con representaciones de la Virgen y el Niño o de Cristo crucificado, en las que se aprecian los cambios iconográficos que se produjeron en el mundo gótico, como una mayor humanización y naturalismo. Por otro lado, el relieve alcanzó gran esplendor en los retablos, las sillerías de coro y los sepulcros de grandes personajes.

En relación con las tendencias naturalistas, aparecieron interpretaciones más humanizadas de la Virgen con el Niño, imágenes que muestran una relación amorosa en la que la Virgen mira a su hijo dulcemente o juega con él mientras le ofrece una flor o una fruta. Un ejemplo de esta nueva iconografía es la Virgen con el Niño de la portada inferior de la Sainte-Chapelle, un modelo que siguió vigente en Europa durante varios siglos.

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Difusión de la escultura gótica

Escultura gótica se iniciara en el norte de Francia, como sucedió en el caso de la arquitectura, algunas de las obras más notables se realizaron en Alemania.

La escultura gótica alemana se caracterizó por un fuerte expresionismo, algunas veces en el límite de la caricatura, y al mismo tiempo por una lírica belleza y elegancia formal.

En Italia existió, como en el caso de la arquitectura, una cierta reticencia a aceptar los postulados franceses. El taller más representativo fue el de Pisa,

Aunque durante las últimas décadas del siglo XIV un número creciente de escultores italianos adoptó los principios del estilo gótico francés, sus obras muestran el conocimiento del desnudo clásico y la diferenciación entre cuerpo y vestimenta. Esta fase de la escultura italiana acabó poco después de 1400, con las puertas de bronce para el baptisterio de la catedral de Florencia.

OBRAS EN ESCULTURA DESTACADAS

  

Escultura de Arnolfo en Santa María del Fiore (Florencia)

Monumento para Bernabé Visconti. Bonino da Campione

-AUTORES DE ESCULTURAS DEL ARTE GÓTICO:

RODRIGO ALEMÁN:

Su biografía es muy confusa. Parece ser que nació en 1470, en Sigüenza (Guadalajara), en cuya catedral se encontró una partida de nacimiento a nombre de Rodrigo Duque. El apodo de «Alemán», con el que sería conocido, viene del presunto origen centro europeo de su familia.

Fue el autor, entre otras obras, de las sillerías de las catedrales de Toledo, Ciudad Rodrigo y Plasencia, donde pueden apreciarse numerosas representaciones eróticas de notable realismo. Una de las peculiaridades de su obra, inspirada en el estilo germánico-gótico del norte de Europa, es la alusión a todo tipo de temas «indecentes» para su época (esculpió a diablos jugando, mujeres insinuándose a sacerdotes, escenas sobre homosexualidad o zoofilia), lo que le acarreó no ser visto con buenos ojos por la Inquisición.

También cabe mencionar la leyenda de Rodrigo Alemán. Según esta leyenda, Rodrigo fue encarcelado en una de las torres de la catedral de Plasencia y consiguió escapar gracias a su ingenio. Se construyó unas alas con las plumas de los pájaros que comía y se lanzó ejecutando un vuelo perfecto. Algunos dicen que se mató y otros creen que sobrevivió.

TOMMASO DI STEFANO:

llamado el Giottino (1324-1356), pintor y escultor de la escuela florentina. Discípulo y según algunos biógrafos hijo de Stéfano de Florencia, se dedicó a estudiar las obras del Giotto. y logró apropiarse de tal manera del estilo del maestro que recibió el sobrenombre del Giottino.

Vasari presenta una lista de los numerosos frescos que ejecutó durante su corta carrera artística. En 1340, después de la expulsión de Gualterio de Briena, duque de Atenas, se encargó al Giottino que pintara sobre la torre del pedestal de Florencia en señal de infamia eterna el retrato de Gualterio y de sus ministros con las armas de sus familias. Estas pinturas han desaparecido.

En Asís, se conservan varias obras de este pintor y especialmente en Florencia, en la capilla de San Silvestre en Santa Cruz. En esta capilla, están pintados sobre la pared de la derecha tres asuntos tomados de la historia deConstantino el Grande. Estos frescos están muy deteriorados pero todavía pueden verse en ellos algunas cabezas dignas de Giotto. La parte superior de la pared izquierda de la capilla tenía también unos frescos que, en la actualidad, están completamente destruidos. Al pie, en dos nichos se ven La Asunción y un Cristo en la tumba. Al lado de estos dos nichos hay cuatro figuras de santos y a los lados del altar San Rómulo y San Zenobio. En el interior de la tumba de Bettino de Bradi, pintó el Giottino el retrato de este personaje, resucitando al oír el sonido de las trompetas de dos ángeles del Juicio final.

AGOSTINO Y AGNOLO DA SIENA:

fueron escultores y arquitectos italianos de la primera mitad del siglo XIV.

Aunque se les considera hermanos, Della Valle y otros autores lo niegan. Lo cierto es que estudiaron juntos bajo el magisterio de Giovanni Pisano, y en el año 1317 ambos fueron designados arquitectos de su ciudad natal, para la que diseñaron la Porta Romana, la iglesia y el convento de San Francisco de Asís y otros edificios. Bajo la recomendación del célebre Giotto di Bondone, quien los consideraba los mejores escultores de la época, realizaron el año 1330 la tumba del obispo Guido Tarlati en la Catedral de Arezzo, que Giotto había diseñado. Fue considerada una de las obras artísticas más perfectas del siglo XIV, pero fue hundida por los franceses bajo las órdenes del Duque de Anjou.