REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO
-Filippo Brunelleschi
-La iglesia de San Lorenzo
La iglesia de San Lorenzo fue construida por Brunelleschi hacia el 1423, dónde desarrolla simétricamente el tema del pórtico de los Inocentes: en las dos naves laterales se superponen una superficie plana sobre una sucesión de arcos, ya que la nave mayor es mucho más luminosa que éstas.
La planta del edificio está construida en forma de cruz latina dando una gran profundidad longitudinal, también demuestra que los dos arcos tienen en común el punto de fuga.
Las capillas laterales no tienen una fuente de luz propia; las ventas redondas de las naves menores dan media luz y las ventanas de la nave central dan una luminosidad alta y uniforme.
-Cúpula de Santa María dei Fiore
Se trata de la cúpula de la catedral de Florencia. Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica, iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto, quién realizó su bello campanile exento, y posteriormente por otros arquitectos. La catedral tiene planta
de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. En 1418 la Corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aún faltaba. La maqueta presentada por el arquitecto Filippo Brunelleschi ganó el concurso,esta cúpula es la primera obra renacentista. Está inspirada en los sistemas de construcción romanos, especialmente en la cúpula del Panteón de Agripa, y también en la tradición gótica, pero los supera . Unifica y centraliza el espacio del edificio.
-Leon Battista Alberti
Es su primer encargo arquitectónico importante en Florencia. Dispone el palacio en torno a un patio central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas.
Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones horizontales no coinciden con la altura real de las plantas. Para romper la horizontalidad introduce una serie de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un interesante juego de luces y sombras.
El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las sucesivas construcciones de residencias señoriales.
-Santa María Novella (1456-70), Florencia.
Bajo la petición de Rucellai en 1456, acomete la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inacabada. El principal problema era integrar los elementos de épocas anteriores.
Alberti completó la fachada, la parte del basamento ya estaba realizada, con una ordenación clásica, basada en la proporción. Para unificar el conjunto y armonizar los elementos previos góticos con los nuevos, renacentistas, utilizó la taracea de mármoles de colores, una tradición constructiva toscana. Consiste en la combinación de mármoles blancos y verdes oscuros.
La solución final es una fachada a modo de telón delante de una iglesia gótica.
-Donato Bramante
-San Pietro in Montorio. Roma. 1502.
Templete de San Pietro in Montorio. Erigido en 1502. Realizado en granito.
La planta central imita a los martyria orientales, pues de hecho es un martyrium. Es circular, con una columnata que envuelve a la cella, que está cubierta por una cúpula de media naranja. Esta columnata forma un peristilo, que simboliza la iglesia militante. También hay una clara referencia a la cultura griega en la forma circular, como un Tholos griego. En la planta hay un crepidoma, que son tres escaleras que representan las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.
En cuanto al alzado, se levanta sobre una escalinata, seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata de orden toscano o dórico romano, sobre el que aparece un entablamento dórico (metopas y triglifos, decoradas con los emblemas y las armas del Papado), coronado por una balaustrada. Tiene en total 48 metopas donde había representada una figura de busto repetida 4 veces. El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior articulado por medio de nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alterna con vanos (puertas y ventanas) adintelados, separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.
-Palacio Caprini
Construido por Donato Bramante, en el Borgo Vaticano (Roma) para la familia Caprini, también era llamado 'Casa de Rafael' por haber sido morada del gran artista Rafael Sanzio. Actualmente no se conserva pues fue demolido cuando Bernini dispuso la columnata de la actual Plaza de San Pedro.
Lo conocemos por el dibujo de Palladio, con planta baja almohadillada, diferenciada de la superior, con columnas binarias de orden toscano y friso de triglifos. Bramante también empleó el fuerte almohadillado en la Puerta Julia, de aspecto robusto y militar, de ingreso al Patio del Belvedere.
El diseño de fachada, hoy desaparecido, recuperaba la idea de 'Insula romana' (bloque de pisos con varios cuerpos y patio de luces en el interior) y que dejaba la parte inferior a la calle para el comercio resaltando por tanto, la parte superior destinada a vivienda.
Estaba realizado con ladrillo revestido de estuco lo que le daba una apariencia tosca. El vano de entrada no es monumental. En la parte baja hay alternancia de vanos y de elementos geométricos. En el piso superior los vanos son rectangulares adintelados con pequeños balconcitos. Rematando el edificio hay un friso con triglifos.
-Andrea Palladio
Villa Capra o la Rotonda. 1566.
Villa Capra, (conocida también como Villa la Rotonda, Villa Almerico-Capra o Villa Capra-Valmarana) es un palacio campestre de planta central diseñado por Andrea Palladio y construido a partir del año 1566 en las afueras de la ciudad de Vicenza en Italia.
El nombre Capra deriva del apellido de dos hermanos que completaron el edificio luego que les fue cedido en1591. Villa más famosa de Palladio y probablemente de todas las villas venecianas, la Rotonda es uno de los más celebrados edificios de la historia de la arquitectura en la época moderna.El sitio escogido fue la cima redondeada de una pequeña colina apenas fuera de los muros de Vicenza. En aquella época, la fascinación por los valores arcaicos comenzaba a incitar a muchos nobles pudientes a mezclarse con la alegría de la vida simple.
Siendo célibe, el prelado Almerico no tenía necesidad de un gran palazzo, pero deseaba una villa sofisticada, que fue exactamente lo que Palladio ideó para él; una residencia suburbana con imagen social, pero también un refugio tranquilo de meditación y estudio. Aislada sobre la cima de la colina, esta especie de peculiar villa-templo, originalmente carecía de anexos agrícolas. Su autor la incluyó significativamente dentro del elenco de palazzi, no de villas, en su tratado "Los cuatro libros de la arquitectura" , publicado en 1570.
-Basílica de Vicenza. 1546-49.
La Basílica que surge en la Plaza dei Signori es una de las más extraordinarias obras de Palladio. El encargo de la construcción de las galerías como refuerzo de la estructura, que con el tiempo se estaba viniendo abajo, fue asignado a Palladio, cuyas revolucionarias ideas fueron la base de la arquitectura futura. La Basílica fue la primera obra mayor de Andrea Palladio, ahora símbolo de Vicenza. Fijaros en los ladrillos y en las columnas, no hay dos iguales. Fue construida en dos fases. Los trabajos se iniciaron en 1549, cuando Palladio tenía 38 años, pero la segunda fase no se completó hasta 1614, más de 30 años después de su muerte. La genialidad de Palladio reside en haber cubierto las irregularidades de la construcción dándole una apariencia homogénea. Las estatuas que coronan la Basílica datan de los siglos XVI y XVII.
-PINTURA
-Masaccio
Pintura renacentista (1425-1427), del autor Masaccio. Realizada al fresco, se encuentra en la iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia. Decora un pequeño espacio en la pared central del templo, junto a un púlpito diseñado por Brunellesqui.
Mediante esta técnica experimental de la perspectiva de punto de vista bajo, distinguimos cinco niveles de profundidad en la escena: La majestuosidad de Dios padre situado al fondo, en el espacio interior de la bóveda; el Cristo en la Cruz, en el nivel intermedio del espacio cosntruido; San Juan y la Virgen ( de la cual cabe destacar que en su representación no es joven ni esta idealizada) en el introdó del primer arco; los donantes (un magistrado de origen humilde y su esposa), arrodillados en la escalera inferior del espacio exterior; y finalmente, en el sepulcro-altar también pintado, un esqueleto con el aforismo: “En un tiempo era como tú eres ahora, un día tu serás como yo soy ahora”.
Se observa una gran simetría y la importancia que Masaccio le otorga a la triangulación de la escena. Combinando así esta simetría con el escalonado para mostrar más fácilmente la jerarquia de las fases desde la muerte a la salvación.
La arquitectura de la obra es una fiel reproducción del estilo de Brunellesqui, que hace a la obra estar en armonía dentro del recinto.
-El Tributo de la Moneda
Es una obra pictórica, en la que se ha usado la técnica al fresco sobre los muros de la iglesia del Carmine en Florencia. El conjunto esta organizado en torno a un retablo gótico y , está constituido por varios frescos, de los cuales éste se amplia a la izquierda del retablo. Representa uno de los episodios del a vida de Cristo narrado por san mateo, en el que se cuenta el milagro producido cunado el recaudador de impuestos exigió a Jesús el pago del impuesto de la alcabala y este ordeno al apóstol san Pedro que sacase la moneda con que pagarlo, del vientre de un pez que tenía que pescar en el río que se ve en escena, hacho que definitivamente ocurrió. La técnica al fresco se seguirá usando en el Renacimiento así como el temple sobre tabla (Botticelli) aunque se irá imponiendo poco a poco la técnica al óleo por las facilidades que esta comportaba ( sobre lienzo, transportable y permite correcciones)
Sobre la escena representada tenemos que decir que se tata de una escena religiosa, del Nuevo Testamento , en la que recoge momentos de la vida de San Pedro. Más adelante analizaremos más profundamente el tema tratado y sus implicaciones.
-Paolo Ucello
- Batalla de San Romano
La batalla de San Romano o La derrota de san Romano (en italiano, Battaglia di san Romano) es un tríptico o conjunto de tres pinturas, obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado contemple al huevo sobre tabla y actualmente se conserva disperso en tres museos: National Gallery de Londres, Louvre de París y Galería de los Uffizi de Florencia.Se considera que el tríptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y continúa siendo objeto de considerable debate. Los críticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho después de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hipótesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia.Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Aparentemente tuvieron en un principio forma de arco. La tabla del Louvre está sin duda rellenada en sus esquinas superiores y en el área inferior izquierda cuando, entre 1479 y 1486, las tres escenas de la batalla fueron requisadas por Lorenzo de Médicis para su palacio en Florencia. Están descritas en un inventario de su dormitorio en 1492.
-San jorge y el dragon
Es una obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado en temple sobre madera, y fue pintado entre 1456 y 1460. Mide 52 cm de alto y 90 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo Jacquemart-André de París.
Existe una versión anterior que se guarda hoy en la National Gallery de Londres. En esta obra, como en otras suyas, Paolo Uccello crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.
-Fra Angelico
-La Anunciación
En esta delicada tabla del Museo del Prado podemos apreciar como tema principal la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenitas del banco o predela, otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por orden de lectura, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel. Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original cometido por Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo en María. Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra. Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores son las más cercanas al cristiano, así como las más importantes en la acción. El marco arquitectónico en el que se desarrolla no es más que una mera referencia espacial, que se ve desbordada por las propias figuras: si la Virgen se pusiera en pie no cabría en la estancia.
-Pala De San Marco
Esta Coronación de la Virgen con san Juan Evangelista, san Agustín, san Jerónimo y san Eligio, conocida normalmente como Pala de San Marcos (en italiano, Pala di San Marco oIncoronazione della Vergine con i santi Giovanni Evangelista, Agostino, Girolamo ed Eligio) es unretablo del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre tabla cimbrada. Mide 378 centímetros de alto y 258 cm. de ancho (la pala) y 21 x 269 cm (toda la predela). Pertenece al periodo 1488-90. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi deFlorencia (Italia).
La obra fue un encargo de la prestigiosa institución del gremio de la seda, que en aquella época incluía el de los orfebres, para la capilla dedicada a san Eligio, su santo patrón.
La escena se articula en dos partes bien separadas: la inferior, en la que se encuentran los santos y la superior, en la que acontece el milagro. Este rasgo estilístico era una novedad en aquel entonces y anticipa ya el Cinquecento. De los cuatro santos de la parte inferior destaca la figura de Juan Evangelista, con una mano sobre un libro abierto y la otra señalando al cielo, fuente de suApocalipsis. Su rostro ejemplifica el fervor místico. Viste una túnica azul y sobre ella, un manto rojo. Son los mismos colores, pero a la inversa, que pueden verse en la figura de Dios padre. Después de este santo están san Agustín y san Jerónimo. A la derecha del todo, san Eligio. Las figuras se ambientan en un paisaje muy simple.
-Sandro Botticelli
-El nacimiento de Venus
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere), es una pintura deSandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 centímetros de ancho por 172.5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.3
Una ninfa espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se trata, específicamente, de Primavera. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.
- Venus y Marte
Venus y Marte (en italiano, Venere e Marte) es un cuadro destacado del pintor Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de Venus and Mars. Está realizado al temple y óleo sobre tabla deálamo. Mide 69 cm de alto y 173 cm de ancho.
Fue pintado en 1483. Dado que su tema es el amor, esta pintura fue posiblemente encargada con ocasión de una boda de la familia Vespucci, perteneciendo al género de loscassoni. Por su formato, es posible que la obra formara parte de un "espaldar" que adornaría el dormitorio de los novios. Este formato apaisado no es nada adecuado para una representación con tan pocas figuras.
La pintura trata de la victoria amorosa. Una arboleda de mirtos, el árbol de Venus, forma el telón de fondo para los dos dioses que están tumbados, uno frente a otro, en un prado.
La diosa del amor está totalmente vestida y peinada, con los pliegues del un lujoso vestido blanco cayendo blandamente, lo mismo que sus rizos. Vigila atentamente el sueño del desnudo Marte, que está durmiendo, en una representación escultórica del desnudo masculino. El dios de la guerra se ha quitado su armadura y yace sobre su capa de color rojo; todo lo que lleva es un trapo blanco sobre los genitales. Se retrata aquí a un bello adolescente, encarnando la belleza ideal; esta figura puede considerarse como directamente precursora del Adán de la Creación en la Capilla Sixtina.
-Andrea Mantegna
Lamentación sobre Cristo muerto
Es una témpera sobre tela de 68 centímetros de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya fecha de realización no se ha establecido con certeza, proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es que sea de la etapa de madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1 2
La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte contraste de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y desolación. La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
Se trata de un tema común en el Renacimiento (la lamentación sobre Cristo muerto, con precedentes desde Giotto) pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el carácter definitivo de la muerte.
Un detalle que sorprende es la elección de poner los genitales de Jesús en el centro geométrico del cuadro.
Está rodeado por la Virgen María, San Juan Evangelista y por una tercera figura, identificable con una mujer piadosa o con María Magdalena, que lloran su muerte. La desproporción de sus rostros, excesivamente grandes, con lo pequeño de sus manos en primer plano y lo descompensado de su integración en la composición hacen pensar en que son un añadido posterior de otro artista.
La pintura, comparada con las concepciones artísticas propias de la Edad Media, muestra una innovación propia del Renacimiento al representar una figura humana sin simbolismos. Mantegna se concentró en un modo muy específico en retratar el trauma físico más que el emotivo, contrario, por tanto, al ideal espiritual.
-Tránsito de la Virgen
Se trata de una tabla de pequeño tamaño que describe un tema religioso, la muerte de la Virgen María. En realidad, era más grande, pues le falta la parte superior, en la que estaba representada la figura de Jesucristo bajo una bóveda, rodeado de ángeles que recogen el alma de la Virgen. Este fragmento se conserva ahora en la Pinacoteca de Ferrara. En 2008, el Museo del Louvre reunió temporalmente ambas partes en una exposición sobre el artista.
Aquí aparecen los apóstoles, formando un grupo majestuoso de severos ropajes, todos alrededor de la cama en la que yace la Virgen María. Los símbolos que llevan en las manos (cirios, palmas, libro de difuntos, incensario) les sirven para rendir homenaje a la Virgen. El gesto de todos ellos es acongojado. No hay doce apóstoles sino once. Hay que recordar que, según las creencias cristianas, después del suicidio de Judas Iscariote, los once apóstoles restantes se reunieron y eligieron a Matías para completar nuevamente el número de doce apóstoles enviados a las doce tribus de Israel; se cree que el apóstol que falta sería Tomás, que se encontraría evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen. La escena está representada conforme a los Evangelios Apócrifos. Las figuras se enmarcan en una arquitectura típicamente renacentista.
Al fondo, se ve un paisaje con un lago, representando los lagos que había en la zona de Mantua, hoy desecados; sobre ellos se tiende un puente, llamado de San Giorgio. De esta manera, la escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua, y no en Jerusalén.
-Leonardo Da Vinci
-La Ultima Cena
En principio se trataba de un encargo modesto. En Santa María, el convento de los dominicos cercano al palacio, el duque había mandado a erigir una iglesia. En el refectorio de los hermanos, el milanés Montorfano había pintado una crucifixión, en cuya parte inferior Leonardo añadió como donante a Ludovico, a su esposa y a sus dos hijos.10 Leonardo colaboró también en la ejecución de los medallones y otros adornos murales con las armas de los españoles , como si quisiera probar primero la destreza de su mano para la gran tarea que se le avecinaba.
Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años característicos por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades.2 4 11 Se cree que en 1494 el duque de Milán Ludovico Sforza, llamado "el Moro", encargó a Leonardo la realización de un fresco para el refectorio de la iglesia dominica de Santa Maria delle Grazie, Milán. Ello explicaría las insignias ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores. Leonardo trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos tres años.12 13 De alguna manera, su naturaleza, que tendía hacia el colosalismo, supo hallar en este cuadro una tarea que lo absorbió por completo, forzando al artista a finalizarla.
-La Virgen de las Rocas
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del Museo del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en la National Gallery aún permanece sobre tabla.
El 25 de abril de 1483, con los hermanos pintores Evangelista y Giovanni Ambrogio de Predis, por un lado, y Bartolomeo Scorione, prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepción, por otra, se estipuló el contrato para un retablo a colocar sobre el altar de la capilla dicha institución en la iglesia de San Francesco Grande. Esta capilla había sido fundada en el siglo XIV por Beatriz de Este, esposa de Galeazzo I Visconti, y quedó destruida en 1576.
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de las Rocas. La obra debía celebrar laInmaculada Concepción. El contrato preveía tres pinturas, que debían estar acabadas el 8 de diciembre por un precio de 800 liras que se pagarían a plazos hasta febrero de 1485. La tabla central debía representar a la Virgen con Niño y dos profetas y ángeles, las otras dos, cuatro ángeles cantores y músicos.
- Miguel Angel
- Crucificciión de San Pedro
Es un fresco que mide 6,25 metros de alto y 6,62 metros de ancho. Hace pareja con La conversión de san Pablo y es el último fresco ejecutado por Miguel Ángel.
El artista retrató a san Pedro en el momento en que, colocado al revés en la cruz, esta era alzada por los soldados romanos. Miguel Ángel concentró su atención en la descripción del dolor y del sufrimiento. Las caras de la gente presente están contraídas en una mueca de horror, y varios de los espectadores parece que van a morir.
Entre los jinetes a la izquierda, se ha reconocido un autorretrato del propio Miguel Ángel, con motivo de una reciente restauración.1
Comparado con La conversión de san Pablo, este mural muestra un esquema algo más mesurado y tradicional, que algunos historiadores explican por las críticas que aquél recibió. Bien por dichas objeciones o por otras causas, Miguel Ángel no volvió a pintar después de este trabajo.
-El Juicio Final
Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar donde ahora está el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las historias de Moisés y de Jesús. Estaban la Asunción, la Natividad de Cristo y el Descubrimiento de Moisés.
Más arriba se encontraban los tres primeros Papas, donde estaba Simón Pedro. Miguel Ángel tuvo que sacrificar estos frescos de Perugino de la zona del altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas.
Anteriormente, Clemente VII La caída de los ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesorPablo III le encargó que pintara la escena del Juicio Final.
-Rafael Sanzio
-Escuela de Artes de Atenas
De base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofosclásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.1
Debido a que estaría ubicada sobre la sección de filosofía del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Esta arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante. Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron considerados como los principales representantes de la filosofía antigua, se encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo, simbolizando el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras que Aristóteles la tierra, haciendo referencia a su realismo sustancial racional teleológico.
En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de Sócrates.
A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. En 1510, Rafael vio el trabajo de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista. Al tiempo, esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco.
- La transfiguración
Esta obra está considerada su última pintura, que dejó inacabada y que se cree fue completada por su alumnoGiulio Romano poco después de la muerte de Rafael en 1520. Es una pintura al óleo sobre tabla, de 405 centímetros de alto y 278 cm de ancho. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana (Museos Vaticanos), Ciudad del Vaticano.La obra fue un encargo del cardenal Julio de Médicis en 1516 para la catedral titular de San Justo enNarbona, Francia, sede obispal del comitente. Al artista italiano Sebastiano del Piombo se le encargó, al mismo tiempo, la pintura de La resurrección de Lázaro para la catedral (actualmente en la National Gallery de Londres).
Después de la muerte prematura de Rafael en 1520, el cardenal retuvo la pintura en lugar de enviarla a Francia. Posteriormente la donó a la iglesia de San Pietro in Montorio, Roma. Fue robada por las tropas francesas y llevada a París en 1797, pero después de 1815 fue devuelta al Vaticano, donde se encuentra actualmente.
-Tiziano
-Venus de Urbino
Es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.
La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.
Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer.
-Baco y Ariadna
Es una de un ciclo de pinturas de temas mitológicos producidos para Alfonso I de Este, el Duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro, una habitación privada en su palacio de Ferrara decorada con pinturas basadas en textos clásicos. Se le dio un adelanto a Rafael, quien originariamente recibió el encargo para el tema de un Triunfo de Baco. Cuando murió Rafael en el año 1520, sólo se había completado un esbozo preliminar y el encargo entonces pasó a Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema deriva de los poetas romanos Catulo y Ovidio.
La pintura, considerada una de las obras maestras de Tiziano, se encuentra actualmente en laNational Gallery de Londres. Las otras grandes pinturas en el ciclo son El festín de los dioses (en gran medida obra de Giovanni Bellini, hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington DC),Bacanal de los Andrios y La ofrenda a Venus (ambas actualmente en el Museo del Prado deMadrid).El rey Teseo necesita saber cómo ganar la lucha contra el Minotauro en la isla de Naxos. Por lo tanto, utiliza a la princesa, hija del rey de Creta Minos y de Pasifae, Ariadna, para tener pistas contra su enemigo. Le promete su amor y su compañía eterna. No obstante, después de cumplir su objetivo la abandona en la isla de Naxos mientras su hermosa prometida está durmiendo. Ariadna no tiene ocasión de lamentar por mucho tiempo el abandono de su amado, porque muy pronto el dios Dioniso-Baco aparece por el aire conduciendo un carro tirado por panteras y rodeado de su cortejo de sátiros, ménades y Sileno. El dios queda fascinado por la belleza de Ariadna y la toma por esposa, llevándosela al Olimpo con él. Como regalo de boda le entrega una diadema de oro, obra del dios Hefestos-Vulcano, que más tarde fue convertida en constelación y, hoy en día, conocemos como Corona Boreal.
-Tintoretto
-El lavatorio
Fue pintado entre 1548-1549, encontrándose actualmente expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España.
Se representa aquí una escena narrada por el Evangelio de Juan, en la que se narra cómo durante laÚltima Cena, Jesús se levantó de la mesa quitándose el manto y atándose una toalla a la cintura. Después de echar agua en un recipiente, se puso a lavar los pies a sus discípulos. Simón Pedropretendió negarse, pero al insistir Jesús en que de otro modo no podría tener parte con él, accedió a que le lavase los pies, e incluso las manos y la cabeza.
El artista representa el episodio antedicho con Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando unmilagro de San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.
La composición parece descentrada, con el episodio principal desplazado a un lado del cuadro. Esto se explica por el emplazamiento original del cuadro, en la pared derecha de una estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde estaba Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también contribuye el pavimento de losas con formas geométricas.
En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio.
-La Ultima Cena
Es la última gran obra del pintor italiano Tintoretto, con la que culmina su trayectoria como pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo. Mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la Basílica de San Giorgio Maggiorede Venecia, Italia.
La última cena es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la pintura religiosa católica. Este cuadro, como la Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94), fueron realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento. En la obra de Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.
-ESCULTURA
-Donatello
-Pequeño Profeta
El Pequeño profeta es una obra atribuida a Donatello, y que data de 1407. Es de mármol blanco y mide 128 cm de altura.
En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiore, está emparejado con otro pequeño profeta atribuido principalmente a Nanni di Banco. No está claro si estas dos obras son los citados en los documentos de pago de la catedral a nombre de Donatello, con fecha de 1406 y 1408, en recompensa del trabajo en dos estatuas de profetas (de los que no se describen sus detalles.hAl margen de las diferencias estilísticas entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inediego silva le gsuta por atras, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a Donatello, sobre la base de comparaciones con acreasfb4t6j7896870k´'976897645t34
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Al margen de las diferencias estilísticas entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inexperiencia por la juventud del artista y por otro lado su semejanza con obras similares de Nanni di Banco. Hoy en día, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a Donatello, sobre la base de comparaciones con otras obras de esta misma época como del David de mármol del Bargello. No tiene los atributos de un profeta, pero su pose recuerda a uno de los ángeles anunciando, que originalmente estaba, quizás, junto con una estatua de la Virgen de la Anunciación.
-Crucifijo de la Santa Cruz
El Crucifijo de la Santa Cruz de Donatello, es una escultura conservada en la capilla de Bardi di Vernio en la parte izquierda del crucero de la iglesia de la Santa Cruz (Florencia), atribuida hacia los años 1406-1408. Es en madera policromada y con unas medidas 168 x 173 cm.
Según el testimonio Vasari en Le Vite este trabajo, fue duramente criticado por Filippo Brunelleschi, diciendo a Donatello, que había puesto en la cruz un campesino, por el realismo tan exagerado que le había dado al cuerpo de Cristo. Donatello le desafió para que hiciera uno mejor. Brunelleschi esculpió en respuesta la solemne Crucifixión de Santa Maria Novella.
Hoy en día los historiadores del arte tienden a negar la historia, y datan las dos obras en una docena de años de distancia el uno del otro. El de Donatello que se reconoce realizado antes, está fechado en torno a 1406-1408.
La identificación del crucifijo ha motivado alguna controversia, se propuso en algún tiempo, como nombre del autor a Nanni di Banco, pero sin mucho éxito. Existe, actualmente total unanimidad es su atribución a Donatello.
-Andrea Verrocchio
-Resurección de Cristo
Hecha en Terracota policromada, 1463, Museo Nazionale del Bargello, Florencia. Realizado para la Villa Medicea de Careggi. Composición triangular que muestra en el eje principal a la figura de Cristo flanqueado por dos ángeles. En el suelo los soldados caen espantados por la visión mientras dos duermen. Dos árboles realizados de forma poco realista cierran la escena. El rostro de Cristo muestra cierta inexpresividad, lo que contrasta con los gestos sorprendidos de los guardias. La figura del Señor aparece rodeada de un nimbo de rayos dorados, lo que es una reminiscencia de los gustos medievales.
-La duda de Santo Tomás
Hecha en Bronce, 1476-1483, Orsanmichele, Florencia. Es una de las obras más importantes de Verrochio. Realizó primero la escultura de Cristo y con posterioridad la de Santo Tomás. El conjunto se situó en un nicho realizado originalmente para contener el San Luis de Donatello por el mismo Donatello y Michelozzo, por lo que era complicado colocar en él un conjunto escultórico sin romper con la simetría, es por ello que Verrochio coloca a Tomás a la izquierda, fuera del nicho, de hecho el pie derecho del santo sobresale fuera del mismo formando una diagonal. El conjunto está pensado para cobijarse dentro del nicho, y no como escultura exenta, ya que la parte trasera de las esculturas permanece hueca, no tienen espalda.
El trabajo de los pliegues de los mantos es perfecto, dando movilidad al conjunto y utilizándolo como vehículo de expresión: el manto de Tomás aparece más agitado en consonancia con su estado anímico, mientras que el de Cristo ordena y equilibra mejor los pliegues. Este conjunto debió influir en gran manera a Leonardo da Vinci, que parece que se inspiró en el rostro de Cristo para realizar el suyo de “La última Cena”, y aunque colaboraba con el artista no es probable que él realizara la escultura en lugar del maestro tal y como afirman algunos estudiosos.
- Lucca della Robbia
-Madonna de la manzana
-Cristo y Tomás
Nació en Florencia, Toscana, Italia. Escultor religioso de escuela florentina, impulsor de cambios a principios de la era renacentista. La historia no guarda información de su juventud. Ya maduro fue un vanguardista de su época y destaca por la originalidad y frescura de sus obras que encantan a primera vista. Della Robbia realiza trabajos en terracota (arcilla al horno), cubierta con barniz (vitrificado). La técnica utilizada para generar el material básico, la cocción y el brillo de sus lacas era exclusivo y provenía de una receta desarrollada por su misma familia, dedicada por generaciones al uso artístico de la arcilla. Una vez terminada la escultura, se pintaba de color blanco para simular marmol y finalmente se sellaba con esmalte incoloro.
Contemporáneo de Donatello, igualmente brilló con estilo separado del gran maestro del Renacimiento. La perfección de las formas que logra Della Robbia lo situan en la historia de la escultura como uno de los mejores. Su figura representa a aquellos que el arte les conmueve para actuar con heroismo. Della Robbia, como buen pionero, arriesgó todo por innovar los estilos medievales reinantes. La expresión de sus obras comprueban que valió la pena, otorgándole sobradamente, un lugar de privilegio en la historia de la escultura europea.
- Giovanni Bellini
-El festín de los dioses
Fue pintado en 1514, por encargo de Alfonso I de Este, el duque de Ferrara, para su camerino d'alabastro ('cámara de alabastro') en el Castillo de los Este, Ferrara. Es una de sus últimas obras, que el autor modificó repetidamente. En estas obras del final de su vida se anuncia ya la típicapintura veneciana, con su predilección por el colorido y la luz bajo influencia de Giorgione. A la muerte de Bellini, poco después (1516), Tiziano modificó el paisaje a la izquierda para que hiciera juego con su obra La Bacanal, también en el camerino de Alfonso.
La pintura fue comprada al Duque de Northumberland por el magnate estadounidense Peter A. B. Widener en 1925, y más tarde entró en las colecciones de la Galería Nacional de Arte deWashington, D.C. con el resto de su colección.
-Embriaguez de Noé
Se conserva en Musée des Beaux-arts, en Besanzón (Francia). Fue pintado alrededor de 1515. Está realizado al temple sobre tabla y mide 103 cm de alto por 157 cm de ancho.
La pintura pertenece a la última etapa de la carrera del artista, cuando absorbió la novedad de la tonalidad de Giorgione. Atribuida en el pasado a diversos artistas como a Cariani (por Bernard Berenson), al joven Lorenzo Lotto (por Gilbert, 1956) y al joven Tiziano (por Heinemann, 1962), fue reconocida como una obra tardía de Bellini por Roberto Longhi, experto cuya opinión siguieron todos los sucecivos críticos, incluyendo al mismo Berenson quien cambió su opinión inicial en 1957.
-Giorgione
-La Venus Dormida
Se trata de una de las últimas creaciones de Giorgione, realizada hacia 1510. Posee las siguientes dimensiones: 108,5 cm de altura por 175 cm de longitud.
Su primera locación según Rinaldi fue la Casa Marcello de Venecia. Posteriormente pasó a la Casa de Este, linaje que gobernaba los ducados de Ferrara y Módena. En 1746 fue vendida, en un lote de obras maestras de los Este, a la alemana Casa de Sajonia, y actualmente se encuentra en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde (Alemania).
Era considerada una "copia de Sassoferrato de un original de Tiziano" hasta que el crítico del arte italiano Giovanni Morelli la atribuyó correctamente a Giorgione.
La pintura retrata a una joven mujer desnuda, cuyo perfil parece acompañar al paisaje que le sirve de trasfondo. Giorgione ha puesto mucha atención al pintar ese paisaje, lo cual se hace notar en los detalles y los sombreados, de este modo la obra posee una exquisitez y un puro ritmo de línea y contorno. La textura de las figuradas telas en donde yace tranquilamente la diosa y el armonioso, bucólico paisaje, dotan a este cuadro de un justo equilibrio entre la placidez y la sensualidad. La obra quedó inconclusa debido al fallecimiento del Giorgione, y el cielo fue posteriormente acabado por Tiziano.
-La Tempestad
Pintura atribuída al pintor veneciano Giorgione, es uno de los cuadros más misteriosos de la Historia del Arte. A pesar de su pequeño tamaño, ha traído de cabeza a los investigadores que no se ponen de acuerdo sobre el tema representado ni el significado de esta obra.
Si analizamos la escena vemos que dentro de una paisaje boscoso, aparece una mujer semidesnuda, sentada amamantando a un niño, mientras una figura masculina la observa desde un lateral del cuadro. Al fondo, se puede ver una ciudad y un cielo tromentoso que acecha y amenaza a los personajes. La oscuridad se acerca sobre los personajes que siguen ajenos a la llegada inminente de la tempestad, este hecho es el que da nombre a la obra, puesto que ni siquiera sabemos su título original.
-Correggio
-La Asunción de la Virgen
Se trata de un fresco ejecutado sobre la cúpula de lacatedral de Parma, Italia, la cual tiene unas dimensiones de aproximadamente 11 metros de diámetro. Data de los años 1526-1530.
El contrato para realizar este fresco fue establecido el 3 de noviembre de 1522 entre Correggio y los responsables del mantenimiento de la catedral de Parma.
El fresco representa el momento de la asunción de la virgen, esto es, la subida al cielo, en cuerpo y alma, de la madre de Jesús. En los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de la ciudad: San Juan Bautista con el cordero, san Hilariocon un mantón amarillo, santo Tomás1 junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba.La composición no gira en torno a un eje central, como en el clasicismo, sino que está descentrada, «desestructurada», al modo que sería habitual en el barroco.A los pies de Jesucristo, la Virgen vestida de rojo y azul es alzada al cielo por un grupo de ángeles. Alrededor de la base del anillo, entre las ventanas, está el corro de los apóstoles sorprendidos como si rodearan la tumba vacía de María. Alrededor de la Virgen gira un torbellino de ángeles y otros personajes en movimiento, en varios círculos concéntricos y sentido ascensional. Entre ellos se reconoce a Adán y Eva, Judit con la cabeza de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. En el centro de la composición está Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su madre.
-Júpiter e Ío
En la actualidad, se conserva en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. En esta obra y El rapto de Ganimedes, Correggio alcanza la cima de sus posibilidades artísticas.2
Esta obra fue pintada como pieza que acompañaba a la citada El rapto de Ganimedes, conservada también en ese museo de Viena. Los dos cuadros, junto con otra pareja, la Dánae que se conserva en Roma y la Leda con el cisne de Berlín, forman un ciclo de cuatro telas pintadas por Correggio a partir del año 1530, con el título de «Los amores de Júpiter», encargada por Federico II Gonzaga para decorar la Sala de Ovidio en elPalazzo Te de Mantua; no obstante, fueron un regalo para el emperador Carlos V y en consecuencia, el ciclo fue dispersado fuera de Italia.
Ío era, según la mitología griega, una doncella de Argos, hija de Ínaco y sacerdotisa de Hera (o hija del reyYaso), a la que Zeus (dios griego del que es equivalente el Júpiter romano) visitó transformado en una gran neblina y aprovechó para arrebatarle su virginidad. Todo ello aparece narrado en Las metamorfosis de Ovidio, libro que se convirtió en fuente literaria de temas para la pintura manierista y la barroca.3 El cuadro representa el momento de la unión carnal entre Ío y Zeus que la envuelve en forma de nube, abrazándola.2 No resulta fácil representar a un hombre disfrazado de nube haciendo el amor a una joven: aquí lo resuelve haciendo entrever una mano y un rostro de hombre en la nube.
-Durero Alberto
-Cuatro Apóstoles
Durero regresó a Núremberg después de su viaje a los Países Bajos, envejecido y enfermo. Realizó entonces esta obra, considerada como su última obra monumental y especie de testamento espiritual, pues estas figuras «son por su presencia espiritual la encarnación, los pilares y las garantías de una fe y una moral nuevas y del estado universal y profundamente natural que fue el del maestro de Núremberg» (Zumthor).
Durero encargó un marco suntuoso para esta pintura y regaló estos Cuatro apóstoles al ayuntamiento de la ciudad, quizá para exhortar a guardar la fe luterana.
-Rinoceronte de Durero
La imagen se basaba en una descripción escrita y un conciso boceto, realizados por un artista desconocido, de un rinoceronte indio que había llegado aLisboa a principios de ese año. Durero nunca vería al rinoceronte real, el primer ejemplar vivo visto en Europa desde los tiempos del Imperio romano. A finales de 1515, el rey de Portugal, Manuel I, le envió el animal como regalo al Papa León X, pero murió al naufragar el barco que lo transportaba junto a la costa de Italia, a principios de 1516. No se volvería a ver un rinoceronte vivo en Europa hasta la llegada de un segundo ejemplar de la India a la corte española de Felipe II alrededor de 1579.2
A pesar de las imprecisiones anatómicas, el grabado de Durero cobró una gran popularidad en Europa y fue copiado en muchas ocasiones durante los tres siglos siguientes. Estuvo considerado una representación fiable de un rinoceronte hasta finales del siglo XVIII. Finalmente fue sustituido por pinturas y dibujos más realistas, especialmente del rinoceronte Clara, que fue exhibido por Europa en las décadas de 1740 y 1750. Sobre el grabado de Durero se ha dicho que: Probablemente ninguna otra pintura de un animal ha ejercido una influencia tan grande en las artes.
-Grunewald Matías
-Crucifixión
El retablo elaborado entre los años 1512 y 1516. Esta tabla central es la imagen más conocida de dicho retablo, y mide 269cm de alto, y 307 cm. de ancho. Está pintado al temple y óleo sobre panel de madera de tilo. Se encuentra en el Museo de Unterlinden en Colmar (Francia).
Esta imagen de la Crucifixión se ve con el retablo cerrado. Es una imagen dotada de una dramática expresividad.
El eje central es la Cruz en la que está Jesucristo, ligeramente descentrado. Jesucristo está crispado, y casi putrefacto, con heridas purulentas. La cruz de madera ha sido realizada a partir de un árbol groseramente tallado. Su brazo horizontal se comba al sostener el cuerpo imponente de un hombre martirizado, retratado en el último espasmo que precede a la muerte. Las manos clavadas a la cruz parecen contorsionarse convulsa mente, los brazos se extienden desarticulados por encima de la cabeza reclinada sobre el pecho, cubierta de una impresionante corona de espinas; la boca deshecha por el dolor parece haber exhalado ya el último suspiro.
-Escarnio De Cristo
Está pintado al temple y óleo sobre panel de madera. Se encuentra en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).
Es una de sus primeras obras, realizada hacia el año 1503; de hecho, es la más antigua cuya autoría no es controvertida.
Jesús de Nazaret se sienta, con los ojos vendados. Tiene los brazos y las manos atados con una cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un verdugo, delante de él, tira de la cuerda; otro, detrás, alza el puño para pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo. Por la derecha se añade a la escena un hombre, que lleva un bastón en su mano izquierda y con la derecha hace ademán de abofetear a Cristo. En el hombro de este verdugo apoya su mano otro hombre, más viejo, que parece estar hablándole. En el fondo de la imagen hay otros tres hombres: a la izquierda se ve a un músico tocar la flauta al tiempo que golpea el tambor. El más joven de los otros dos hombres parece indiferente, casi alegre. El tercero, del que sólo se ve con claridad la cabeza en el borde derecho del cuadro, aparece con el rostro desconsolado.
Domina el cuadro la fuerza de las emociones. La escena tiene un dramatismo hasta entonces inédito. Los rostros de los verdugos sólo expresan brutalidad, de modo casi caricaturesco, lo que recuerda a obras del Bosco como Cristo con la cruz a cuestas y a los estudios fisonómicos de Leonardo.
-Cranach Lucas
-La crucificción
Otra de las constantes de Cranach son los Cristos crucificados, como éste de 1500 que derivaría en una nueva variación tres años más tarde. Muy influido por la obra de Durero y Michael Pacher, Cranach desarrollaría una especial composición espacial de la perspectiva gracias a la disposición de las tres cruces, abandonando las dos laterales de los ladrones la frontalidad y adoptar un violento escorzo para individualizar con manifiesta fuerza visual la central de Cristo. El pintor expresa la torturada impotencia de la Virgen María ayudada por otras mujeres santas a los pies de Cristo.
-La Lamentación de la Virgen y San Juan ante Cristo crucificado
La engañosa simplicidad compositiva del cuadro esconde un estudiado análisis de la naturaleza, expresada con espontaneidad y complementada con los sentimientos de los personajes. María y Juan expresan su dolor por el Cristo crucificado en el Calvario con un torturado gesto de las manos, mientras el paisaje amplifica el dramatismo de la escena con un ligero estremecimiento del viento en las finas ramas de los árboles. La cruz de Cristo abandona la disposición frontal para aprovechar el espacio y penetrar aún más en el sentimiento romántico de la naturaleza, como reflejo de su sufrimiento. La luminosidad de los Alpes al fondo, distorsionando la fidelización de la realidad, contrasta con el agreste amarillo de la piel lívida de los crucificados.
-Hans Baldung Grien
-Las edades y la muerte
Elemento de reflexión cristiana que tuvo gran trascendencia en la Europa central, en la pintura flamenca, y en España. La Vanitas se refiere a lo efímero de los placeres mundanos y la presencia constante de la muerte, que convierte en vanos los placeres del amante desde el conocimiento del filósofo. Así, esta pareja, la Armonía y las Tres Edades, hacen evidente la belleza de la juventud y su capacidad para el amor, así como su final inevitable en la fealdad y la muerte, convirtiéndolas por tanto en inútiles. En esta tabla, de formato muy vertical, nos encontramos enfrentados a unas figuras cercanas al tamaño natural, lo que acerca al espectador a la escena contemplada. En esta escena, la muerte, calva, desdentada y con el vientre lleno de gusanos, agarra por el brazo a una vieja para llevársela, al tiempo que la vieja arrastra consigo a una joven malencarada y enjaezada con collares; a los pies de estas mujeres hay un bebé dormido, bajo la lanza rota de la Muerte.
- El Diluvio
Pintor y gravador renacentista alemán. Nació en Schwäbisch Gmünd (Suabia, Alemania), en el seno de una adinerada familia. Su padre era un célebre abogado y su tío era médico del emperador Carlos V, pero él dirigió sus pasos hacia la creación artística. En un primer momento se formó en talleres de Alsacia. Sin embargo, recién arrancado el nuevo siglo, en 1502, viajó a Nuremberg, donde entró a formar parte del taller de Durero, con quien le uniría una gran amistad el resto de su vida.
- Pieter brueghel
-Los cazadores en la nieve
Desde un primer plano muy elevado se lleva la mirada por un terreno abrupto.1 Por la izquierda del cuadro aparecen los cazadores, vueltos de espalda, seguidos por la jauría de perros. Entre ellos, las siluetas negras de los árboles van trazando una diagonal que lleva hacia el amplio paisaje que se abre ante ellos. Esa diagonal es el eje dominante de la pintura1 Predomina el blanco de la nieve. Sobre dos lagos helados, se practican juegos invernales. El cielo es plomizo.
Sobre este frío paisaje las figuras humanas, los animales y los árboles parecen sombras chinescas. El tema principal es el paisaje, un paisaje invernal en el que se representa la nieve, el hielo, anticipando los grandes logros en este género de la pintura barroca.
-El ícaro
es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.1 Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.2Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura enBruselas.
En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.
Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.
-Leon Battista Alberti
Es su primer encargo arquitectónico importante en Florencia. Dispone el palacio en torno a un patio central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas.
Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones horizontales no coinciden con la altura real de las plantas. Para romper la horizontalidad introduce una serie de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un interesante juego de luces y sombras.
El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las sucesivas construcciones de residencias señoriales.
-Santa María Novella (1456-70), Florencia.
Bajo la petición de Rucellai en 1456, acomete la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inacabada. El principal problema era integrar los elementos de épocas anteriores.
Alberti completó la fachada, la parte del basamento ya estaba realizada, con una ordenación clásica, basada en la proporción. Para unificar el conjunto y armonizar los elementos previos góticos con los nuevos, renacentistas, utilizó la taracea de mármoles de colores, una tradición constructiva toscana. Consiste en la combinación de mármoles blancos y verdes oscuros.
La solución final es una fachada a modo de telón delante de una iglesia gótica.
-Donato Bramante
-San Pietro in Montorio. Roma. 1502.
Templete de San Pietro in Montorio. Erigido en 1502. Realizado en granito.
La planta central imita a los martyria orientales, pues de hecho es un martyrium. Es circular, con una columnata que envuelve a la cella, que está cubierta por una cúpula de media naranja. Esta columnata forma un peristilo, que simboliza la iglesia militante. También hay una clara referencia a la cultura griega en la forma circular, como un Tholos griego. En la planta hay un crepidoma, que son tres escaleras que representan las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.
En cuanto al alzado, se levanta sobre una escalinata, seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata de orden toscano o dórico romano, sobre el que aparece un entablamento dórico (metopas y triglifos, decoradas con los emblemas y las armas del Papado), coronado por una balaustrada. Tiene en total 48 metopas donde había representada una figura de busto repetida 4 veces. El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior articulado por medio de nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alterna con vanos (puertas y ventanas) adintelados, separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.
-Palacio Caprini
Construido por Donato Bramante, en el Borgo Vaticano (Roma) para la familia Caprini, también era llamado 'Casa de Rafael' por haber sido morada del gran artista Rafael Sanzio. Actualmente no se conserva pues fue demolido cuando Bernini dispuso la columnata de la actual Plaza de San Pedro.
Lo conocemos por el dibujo de Palladio, con planta baja almohadillada, diferenciada de la superior, con columnas binarias de orden toscano y friso de triglifos. Bramante también empleó el fuerte almohadillado en la Puerta Julia, de aspecto robusto y militar, de ingreso al Patio del Belvedere.
El diseño de fachada, hoy desaparecido, recuperaba la idea de 'Insula romana' (bloque de pisos con varios cuerpos y patio de luces en el interior) y que dejaba la parte inferior a la calle para el comercio resaltando por tanto, la parte superior destinada a vivienda.
Estaba realizado con ladrillo revestido de estuco lo que le daba una apariencia tosca. El vano de entrada no es monumental. En la parte baja hay alternancia de vanos y de elementos geométricos. En el piso superior los vanos son rectangulares adintelados con pequeños balconcitos. Rematando el edificio hay un friso con triglifos.
-Andrea Palladio
Villa Capra o la Rotonda. 1566.
Villa Capra, (conocida también como Villa la Rotonda, Villa Almerico-Capra o Villa Capra-Valmarana) es un palacio campestre de planta central diseñado por Andrea Palladio y construido a partir del año 1566 en las afueras de la ciudad de Vicenza en Italia.
El nombre Capra deriva del apellido de dos hermanos que completaron el edificio luego que les fue cedido en1591. Villa más famosa de Palladio y probablemente de todas las villas venecianas, la Rotonda es uno de los más celebrados edificios de la historia de la arquitectura en la época moderna.El sitio escogido fue la cima redondeada de una pequeña colina apenas fuera de los muros de Vicenza. En aquella época, la fascinación por los valores arcaicos comenzaba a incitar a muchos nobles pudientes a mezclarse con la alegría de la vida simple.
Siendo célibe, el prelado Almerico no tenía necesidad de un gran palazzo, pero deseaba una villa sofisticada, que fue exactamente lo que Palladio ideó para él; una residencia suburbana con imagen social, pero también un refugio tranquilo de meditación y estudio. Aislada sobre la cima de la colina, esta especie de peculiar villa-templo, originalmente carecía de anexos agrícolas. Su autor la incluyó significativamente dentro del elenco de palazzi, no de villas, en su tratado "Los cuatro libros de la arquitectura" , publicado en 1570.
-Basílica de Vicenza. 1546-49.
La Basílica que surge en la Plaza dei Signori es una de las más extraordinarias obras de Palladio. El encargo de la construcción de las galerías como refuerzo de la estructura, que con el tiempo se estaba viniendo abajo, fue asignado a Palladio, cuyas revolucionarias ideas fueron la base de la arquitectura futura. La Basílica fue la primera obra mayor de Andrea Palladio, ahora símbolo de Vicenza. Fijaros en los ladrillos y en las columnas, no hay dos iguales. Fue construida en dos fases. Los trabajos se iniciaron en 1549, cuando Palladio tenía 38 años, pero la segunda fase no se completó hasta 1614, más de 30 años después de su muerte. La genialidad de Palladio reside en haber cubierto las irregularidades de la construcción dándole una apariencia homogénea. Las estatuas que coronan la Basílica datan de los siglos XVI y XVII.
-PINTURA
-Masaccio
Pintura renacentista (1425-1427), del autor Masaccio. Realizada al fresco, se encuentra en la iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia. Decora un pequeño espacio en la pared central del templo, junto a un púlpito diseñado por Brunellesqui.
Mediante esta técnica experimental de la perspectiva de punto de vista bajo, distinguimos cinco niveles de profundidad en la escena: La majestuosidad de Dios padre situado al fondo, en el espacio interior de la bóveda; el Cristo en la Cruz, en el nivel intermedio del espacio cosntruido; San Juan y la Virgen ( de la cual cabe destacar que en su representación no es joven ni esta idealizada) en el introdó del primer arco; los donantes (un magistrado de origen humilde y su esposa), arrodillados en la escalera inferior del espacio exterior; y finalmente, en el sepulcro-altar también pintado, un esqueleto con el aforismo: “En un tiempo era como tú eres ahora, un día tu serás como yo soy ahora”.
Se observa una gran simetría y la importancia que Masaccio le otorga a la triangulación de la escena. Combinando así esta simetría con el escalonado para mostrar más fácilmente la jerarquia de las fases desde la muerte a la salvación.
La arquitectura de la obra es una fiel reproducción del estilo de Brunellesqui, que hace a la obra estar en armonía dentro del recinto.
-El Tributo de la Moneda
Es una obra pictórica, en la que se ha usado la técnica al fresco sobre los muros de la iglesia del Carmine en Florencia. El conjunto esta organizado en torno a un retablo gótico y , está constituido por varios frescos, de los cuales éste se amplia a la izquierda del retablo. Representa uno de los episodios del a vida de Cristo narrado por san mateo, en el que se cuenta el milagro producido cunado el recaudador de impuestos exigió a Jesús el pago del impuesto de la alcabala y este ordeno al apóstol san Pedro que sacase la moneda con que pagarlo, del vientre de un pez que tenía que pescar en el río que se ve en escena, hacho que definitivamente ocurrió. La técnica al fresco se seguirá usando en el Renacimiento así como el temple sobre tabla (Botticelli) aunque se irá imponiendo poco a poco la técnica al óleo por las facilidades que esta comportaba ( sobre lienzo, transportable y permite correcciones)
Sobre la escena representada tenemos que decir que se tata de una escena religiosa, del Nuevo Testamento , en la que recoge momentos de la vida de San Pedro. Más adelante analizaremos más profundamente el tema tratado y sus implicaciones.
-Paolo Ucello
- Batalla de San Romano
La batalla de San Romano o La derrota de san Romano (en italiano, Battaglia di san Romano) es un tríptico o conjunto de tres pinturas, obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado contemple al huevo sobre tabla y actualmente se conserva disperso en tres museos: National Gallery de Londres, Louvre de París y Galería de los Uffizi de Florencia.Se considera que el tríptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y continúa siendo objeto de considerable debate. Los críticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho después de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hipótesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia.Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Aparentemente tuvieron en un principio forma de arco. La tabla del Louvre está sin duda rellenada en sus esquinas superiores y en el área inferior izquierda cuando, entre 1479 y 1486, las tres escenas de la batalla fueron requisadas por Lorenzo de Médicis para su palacio en Florencia. Están descritas en un inventario de su dormitorio en 1492.
-San jorge y el dragon
Es una obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado en temple sobre madera, y fue pintado entre 1456 y 1460. Mide 52 cm de alto y 90 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo Jacquemart-André de París.
Existe una versión anterior que se guarda hoy en la National Gallery de Londres. En esta obra, como en otras suyas, Paolo Uccello crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.
-Fra Angelico
-La Anunciación
En esta delicada tabla del Museo del Prado podemos apreciar como tema principal la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenitas del banco o predela, otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por orden de lectura, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel. Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original cometido por Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo en María. Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra. Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores son las más cercanas al cristiano, así como las más importantes en la acción. El marco arquitectónico en el que se desarrolla no es más que una mera referencia espacial, que se ve desbordada por las propias figuras: si la Virgen se pusiera en pie no cabría en la estancia.
-Pala De San Marco
Esta Coronación de la Virgen con san Juan Evangelista, san Agustín, san Jerónimo y san Eligio, conocida normalmente como Pala de San Marcos (en italiano, Pala di San Marco oIncoronazione della Vergine con i santi Giovanni Evangelista, Agostino, Girolamo ed Eligio) es unretablo del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre tabla cimbrada. Mide 378 centímetros de alto y 258 cm. de ancho (la pala) y 21 x 269 cm (toda la predela). Pertenece al periodo 1488-90. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi deFlorencia (Italia).
La obra fue un encargo de la prestigiosa institución del gremio de la seda, que en aquella época incluía el de los orfebres, para la capilla dedicada a san Eligio, su santo patrón.
La escena se articula en dos partes bien separadas: la inferior, en la que se encuentran los santos y la superior, en la que acontece el milagro. Este rasgo estilístico era una novedad en aquel entonces y anticipa ya el Cinquecento. De los cuatro santos de la parte inferior destaca la figura de Juan Evangelista, con una mano sobre un libro abierto y la otra señalando al cielo, fuente de suApocalipsis. Su rostro ejemplifica el fervor místico. Viste una túnica azul y sobre ella, un manto rojo. Son los mismos colores, pero a la inversa, que pueden verse en la figura de Dios padre. Después de este santo están san Agustín y san Jerónimo. A la derecha del todo, san Eligio. Las figuras se ambientan en un paisaje muy simple.
-Sandro Botticelli
-El nacimiento de Venus
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere), es una pintura deSandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 centímetros de ancho por 172.5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.3
Una ninfa espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se trata, específicamente, de Primavera. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.
- Venus y Marte
Venus y Marte (en italiano, Venere e Marte) es un cuadro destacado del pintor Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de Venus and Mars. Está realizado al temple y óleo sobre tabla deálamo. Mide 69 cm de alto y 173 cm de ancho.
Fue pintado en 1483. Dado que su tema es el amor, esta pintura fue posiblemente encargada con ocasión de una boda de la familia Vespucci, perteneciendo al género de loscassoni. Por su formato, es posible que la obra formara parte de un "espaldar" que adornaría el dormitorio de los novios. Este formato apaisado no es nada adecuado para una representación con tan pocas figuras.
La pintura trata de la victoria amorosa. Una arboleda de mirtos, el árbol de Venus, forma el telón de fondo para los dos dioses que están tumbados, uno frente a otro, en un prado.
La diosa del amor está totalmente vestida y peinada, con los pliegues del un lujoso vestido blanco cayendo blandamente, lo mismo que sus rizos. Vigila atentamente el sueño del desnudo Marte, que está durmiendo, en una representación escultórica del desnudo masculino. El dios de la guerra se ha quitado su armadura y yace sobre su capa de color rojo; todo lo que lleva es un trapo blanco sobre los genitales. Se retrata aquí a un bello adolescente, encarnando la belleza ideal; esta figura puede considerarse como directamente precursora del Adán de la Creación en la Capilla Sixtina.
-Andrea Mantegna
Lamentación sobre Cristo muerto
Es una témpera sobre tela de 68 centímetros de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya fecha de realización no se ha establecido con certeza, proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es que sea de la etapa de madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1 2
La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte contraste de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y desolación. La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
Se trata de un tema común en el Renacimiento (la lamentación sobre Cristo muerto, con precedentes desde Giotto) pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el carácter definitivo de la muerte.
Un detalle que sorprende es la elección de poner los genitales de Jesús en el centro geométrico del cuadro.
Está rodeado por la Virgen María, San Juan Evangelista y por una tercera figura, identificable con una mujer piadosa o con María Magdalena, que lloran su muerte. La desproporción de sus rostros, excesivamente grandes, con lo pequeño de sus manos en primer plano y lo descompensado de su integración en la composición hacen pensar en que son un añadido posterior de otro artista.
La pintura, comparada con las concepciones artísticas propias de la Edad Media, muestra una innovación propia del Renacimiento al representar una figura humana sin simbolismos. Mantegna se concentró en un modo muy específico en retratar el trauma físico más que el emotivo, contrario, por tanto, al ideal espiritual.
-Tránsito de la Virgen
Se trata de una tabla de pequeño tamaño que describe un tema religioso, la muerte de la Virgen María. En realidad, era más grande, pues le falta la parte superior, en la que estaba representada la figura de Jesucristo bajo una bóveda, rodeado de ángeles que recogen el alma de la Virgen. Este fragmento se conserva ahora en la Pinacoteca de Ferrara. En 2008, el Museo del Louvre reunió temporalmente ambas partes en una exposición sobre el artista.
Aquí aparecen los apóstoles, formando un grupo majestuoso de severos ropajes, todos alrededor de la cama en la que yace la Virgen María. Los símbolos que llevan en las manos (cirios, palmas, libro de difuntos, incensario) les sirven para rendir homenaje a la Virgen. El gesto de todos ellos es acongojado. No hay doce apóstoles sino once. Hay que recordar que, según las creencias cristianas, después del suicidio de Judas Iscariote, los once apóstoles restantes se reunieron y eligieron a Matías para completar nuevamente el número de doce apóstoles enviados a las doce tribus de Israel; se cree que el apóstol que falta sería Tomás, que se encontraría evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen. La escena está representada conforme a los Evangelios Apócrifos. Las figuras se enmarcan en una arquitectura típicamente renacentista.
Al fondo, se ve un paisaje con un lago, representando los lagos que había en la zona de Mantua, hoy desecados; sobre ellos se tiende un puente, llamado de San Giorgio. De esta manera, la escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua, y no en Jerusalén.
-Leonardo Da Vinci
-La Ultima Cena
En principio se trataba de un encargo modesto. En Santa María, el convento de los dominicos cercano al palacio, el duque había mandado a erigir una iglesia. En el refectorio de los hermanos, el milanés Montorfano había pintado una crucifixión, en cuya parte inferior Leonardo añadió como donante a Ludovico, a su esposa y a sus dos hijos.10 Leonardo colaboró también en la ejecución de los medallones y otros adornos murales con las armas de los españoles , como si quisiera probar primero la destreza de su mano para la gran tarea que se le avecinaba.
Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años característicos por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades.2 4 11 Se cree que en 1494 el duque de Milán Ludovico Sforza, llamado "el Moro", encargó a Leonardo la realización de un fresco para el refectorio de la iglesia dominica de Santa Maria delle Grazie, Milán. Ello explicaría las insignias ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores. Leonardo trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos tres años.12 13 De alguna manera, su naturaleza, que tendía hacia el colosalismo, supo hallar en este cuadro una tarea que lo absorbió por completo, forzando al artista a finalizarla.
-La Virgen de las Rocas
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del Museo del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en la National Gallery aún permanece sobre tabla.
El 25 de abril de 1483, con los hermanos pintores Evangelista y Giovanni Ambrogio de Predis, por un lado, y Bartolomeo Scorione, prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepción, por otra, se estipuló el contrato para un retablo a colocar sobre el altar de la capilla dicha institución en la iglesia de San Francesco Grande. Esta capilla había sido fundada en el siglo XIV por Beatriz de Este, esposa de Galeazzo I Visconti, y quedó destruida en 1576.
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de las Rocas. La obra debía celebrar laInmaculada Concepción. El contrato preveía tres pinturas, que debían estar acabadas el 8 de diciembre por un precio de 800 liras que se pagarían a plazos hasta febrero de 1485. La tabla central debía representar a la Virgen con Niño y dos profetas y ángeles, las otras dos, cuatro ángeles cantores y músicos.
- Miguel Angel
- Crucificciión de San Pedro
Es un fresco que mide 6,25 metros de alto y 6,62 metros de ancho. Hace pareja con La conversión de san Pablo y es el último fresco ejecutado por Miguel Ángel.
El artista retrató a san Pedro en el momento en que, colocado al revés en la cruz, esta era alzada por los soldados romanos. Miguel Ángel concentró su atención en la descripción del dolor y del sufrimiento. Las caras de la gente presente están contraídas en una mueca de horror, y varios de los espectadores parece que van a morir.
Entre los jinetes a la izquierda, se ha reconocido un autorretrato del propio Miguel Ángel, con motivo de una reciente restauración.1
Comparado con La conversión de san Pablo, este mural muestra un esquema algo más mesurado y tradicional, que algunos historiadores explican por las críticas que aquél recibió. Bien por dichas objeciones o por otras causas, Miguel Ángel no volvió a pintar después de este trabajo.
-El Juicio Final
Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar donde ahora está el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las historias de Moisés y de Jesús. Estaban la Asunción, la Natividad de Cristo y el Descubrimiento de Moisés.
Más arriba se encontraban los tres primeros Papas, donde estaba Simón Pedro. Miguel Ángel tuvo que sacrificar estos frescos de Perugino de la zona del altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas.
Anteriormente, Clemente VII La caída de los ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesorPablo III le encargó que pintara la escena del Juicio Final.
-Rafael Sanzio
-Escuela de Artes de Atenas
De base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofosclásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.1
Debido a que estaría ubicada sobre la sección de filosofía del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Esta arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante. Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron considerados como los principales representantes de la filosofía antigua, se encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo, simbolizando el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras que Aristóteles la tierra, haciendo referencia a su realismo sustancial racional teleológico.
En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de Sócrates.
A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. En 1510, Rafael vio el trabajo de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista. Al tiempo, esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco.
- La transfiguración
Esta obra está considerada su última pintura, que dejó inacabada y que se cree fue completada por su alumnoGiulio Romano poco después de la muerte de Rafael en 1520. Es una pintura al óleo sobre tabla, de 405 centímetros de alto y 278 cm de ancho. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana (Museos Vaticanos), Ciudad del Vaticano.La obra fue un encargo del cardenal Julio de Médicis en 1516 para la catedral titular de San Justo enNarbona, Francia, sede obispal del comitente. Al artista italiano Sebastiano del Piombo se le encargó, al mismo tiempo, la pintura de La resurrección de Lázaro para la catedral (actualmente en la National Gallery de Londres).
Después de la muerte prematura de Rafael en 1520, el cardenal retuvo la pintura en lugar de enviarla a Francia. Posteriormente la donó a la iglesia de San Pietro in Montorio, Roma. Fue robada por las tropas francesas y llevada a París en 1797, pero después de 1815 fue devuelta al Vaticano, donde se encuentra actualmente.
-Tiziano
-Venus de Urbino
Es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.
La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.
Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer.
-Baco y Ariadna
Es una de un ciclo de pinturas de temas mitológicos producidos para Alfonso I de Este, el Duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro, una habitación privada en su palacio de Ferrara decorada con pinturas basadas en textos clásicos. Se le dio un adelanto a Rafael, quien originariamente recibió el encargo para el tema de un Triunfo de Baco. Cuando murió Rafael en el año 1520, sólo se había completado un esbozo preliminar y el encargo entonces pasó a Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema deriva de los poetas romanos Catulo y Ovidio.
La pintura, considerada una de las obras maestras de Tiziano, se encuentra actualmente en laNational Gallery de Londres. Las otras grandes pinturas en el ciclo son El festín de los dioses (en gran medida obra de Giovanni Bellini, hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington DC),Bacanal de los Andrios y La ofrenda a Venus (ambas actualmente en el Museo del Prado deMadrid).El rey Teseo necesita saber cómo ganar la lucha contra el Minotauro en la isla de Naxos. Por lo tanto, utiliza a la princesa, hija del rey de Creta Minos y de Pasifae, Ariadna, para tener pistas contra su enemigo. Le promete su amor y su compañía eterna. No obstante, después de cumplir su objetivo la abandona en la isla de Naxos mientras su hermosa prometida está durmiendo. Ariadna no tiene ocasión de lamentar por mucho tiempo el abandono de su amado, porque muy pronto el dios Dioniso-Baco aparece por el aire conduciendo un carro tirado por panteras y rodeado de su cortejo de sátiros, ménades y Sileno. El dios queda fascinado por la belleza de Ariadna y la toma por esposa, llevándosela al Olimpo con él. Como regalo de boda le entrega una diadema de oro, obra del dios Hefestos-Vulcano, que más tarde fue convertida en constelación y, hoy en día, conocemos como Corona Boreal.
-Tintoretto
-El lavatorio
Fue pintado entre 1548-1549, encontrándose actualmente expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España.
Se representa aquí una escena narrada por el Evangelio de Juan, en la que se narra cómo durante laÚltima Cena, Jesús se levantó de la mesa quitándose el manto y atándose una toalla a la cintura. Después de echar agua en un recipiente, se puso a lavar los pies a sus discípulos. Simón Pedropretendió negarse, pero al insistir Jesús en que de otro modo no podría tener parte con él, accedió a que le lavase los pies, e incluso las manos y la cabeza.
El artista representa el episodio antedicho con Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando unmilagro de San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.
La composición parece descentrada, con el episodio principal desplazado a un lado del cuadro. Esto se explica por el emplazamiento original del cuadro, en la pared derecha de una estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde estaba Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también contribuye el pavimento de losas con formas geométricas.
En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio.
-La Ultima Cena
Es la última gran obra del pintor italiano Tintoretto, con la que culmina su trayectoria como pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo. Mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la Basílica de San Giorgio Maggiorede Venecia, Italia.
La última cena es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la pintura religiosa católica. Este cuadro, como la Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94), fueron realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento. En la obra de Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.
-ESCULTURA
-Donatello
-Pequeño Profeta
El Pequeño profeta es una obra atribuida a Donatello, y que data de 1407. Es de mármol blanco y mide 128 cm de altura.
En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiore, está emparejado con otro pequeño profeta atribuido principalmente a Nanni di Banco. No está claro si estas dos obras son los citados en los documentos de pago de la catedral a nombre de Donatello, con fecha de 1406 y 1408, en recompensa del trabajo en dos estatuas de profetas (de los que no se describen sus detalles.hAl margen de las diferencias estilísticas entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inediego silva le gsuta por atras, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a Donatello, sobre la base de comparaciones con acreasfb4t6j7896870k´'976897645t34
n su taeobras de esta misma época como del David de mármol del Bargello. No tiene los atributos de un profeta, pero su pose recuerda a uno de los ángeles anunciando, que originalmente estaba, quizás, junto con una estatua de la Virgen de la Anunciación.
Al margen de las diferencias estilísticas entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inexperiencia por la juventud del artista y por otro lado su semejanza con obras similares de Nanni di Banco. Hoy en día, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a Donatello, sobre la base de comparaciones con otras obras de esta misma época como del David de mármol del Bargello. No tiene los atributos de un profeta, pero su pose recuerda a uno de los ángeles anunciando, que originalmente estaba, quizás, junto con una estatua de la Virgen de la Anunciación.
-Crucifijo de la Santa Cruz
El Crucifijo de la Santa Cruz de Donatello, es una escultura conservada en la capilla de Bardi di Vernio en la parte izquierda del crucero de la iglesia de la Santa Cruz (Florencia), atribuida hacia los años 1406-1408. Es en madera policromada y con unas medidas 168 x 173 cm.
Según el testimonio Vasari en Le Vite este trabajo, fue duramente criticado por Filippo Brunelleschi, diciendo a Donatello, que había puesto en la cruz un campesino, por el realismo tan exagerado que le había dado al cuerpo de Cristo. Donatello le desafió para que hiciera uno mejor. Brunelleschi esculpió en respuesta la solemne Crucifixión de Santa Maria Novella.
Hoy en día los historiadores del arte tienden a negar la historia, y datan las dos obras en una docena de años de distancia el uno del otro. El de Donatello que se reconoce realizado antes, está fechado en torno a 1406-1408.
La identificación del crucifijo ha motivado alguna controversia, se propuso en algún tiempo, como nombre del autor a Nanni di Banco, pero sin mucho éxito. Existe, actualmente total unanimidad es su atribución a Donatello.
-Andrea Verrocchio
-Resurección de Cristo
Hecha en Terracota policromada, 1463, Museo Nazionale del Bargello, Florencia. Realizado para la Villa Medicea de Careggi. Composición triangular que muestra en el eje principal a la figura de Cristo flanqueado por dos ángeles. En el suelo los soldados caen espantados por la visión mientras dos duermen. Dos árboles realizados de forma poco realista cierran la escena. El rostro de Cristo muestra cierta inexpresividad, lo que contrasta con los gestos sorprendidos de los guardias. La figura del Señor aparece rodeada de un nimbo de rayos dorados, lo que es una reminiscencia de los gustos medievales.
-La duda de Santo Tomás
Hecha en Bronce, 1476-1483, Orsanmichele, Florencia. Es una de las obras más importantes de Verrochio. Realizó primero la escultura de Cristo y con posterioridad la de Santo Tomás. El conjunto se situó en un nicho realizado originalmente para contener el San Luis de Donatello por el mismo Donatello y Michelozzo, por lo que era complicado colocar en él un conjunto escultórico sin romper con la simetría, es por ello que Verrochio coloca a Tomás a la izquierda, fuera del nicho, de hecho el pie derecho del santo sobresale fuera del mismo formando una diagonal. El conjunto está pensado para cobijarse dentro del nicho, y no como escultura exenta, ya que la parte trasera de las esculturas permanece hueca, no tienen espalda.
El trabajo de los pliegues de los mantos es perfecto, dando movilidad al conjunto y utilizándolo como vehículo de expresión: el manto de Tomás aparece más agitado en consonancia con su estado anímico, mientras que el de Cristo ordena y equilibra mejor los pliegues. Este conjunto debió influir en gran manera a Leonardo da Vinci, que parece que se inspiró en el rostro de Cristo para realizar el suyo de “La última Cena”, y aunque colaboraba con el artista no es probable que él realizara la escultura en lugar del maestro tal y como afirman algunos estudiosos.
- Lucca della Robbia
-Madonna de la manzana
-Cristo y Tomás
Nació en Florencia, Toscana, Italia. Escultor religioso de escuela florentina, impulsor de cambios a principios de la era renacentista. La historia no guarda información de su juventud. Ya maduro fue un vanguardista de su época y destaca por la originalidad y frescura de sus obras que encantan a primera vista. Della Robbia realiza trabajos en terracota (arcilla al horno), cubierta con barniz (vitrificado). La técnica utilizada para generar el material básico, la cocción y el brillo de sus lacas era exclusivo y provenía de una receta desarrollada por su misma familia, dedicada por generaciones al uso artístico de la arcilla. Una vez terminada la escultura, se pintaba de color blanco para simular marmol y finalmente se sellaba con esmalte incoloro.
Contemporáneo de Donatello, igualmente brilló con estilo separado del gran maestro del Renacimiento. La perfección de las formas que logra Della Robbia lo situan en la historia de la escultura como uno de los mejores. Su figura representa a aquellos que el arte les conmueve para actuar con heroismo. Della Robbia, como buen pionero, arriesgó todo por innovar los estilos medievales reinantes. La expresión de sus obras comprueban que valió la pena, otorgándole sobradamente, un lugar de privilegio en la historia de la escultura europea.
- Giovanni Bellini
-El festín de los dioses
Fue pintado en 1514, por encargo de Alfonso I de Este, el duque de Ferrara, para su camerino d'alabastro ('cámara de alabastro') en el Castillo de los Este, Ferrara. Es una de sus últimas obras, que el autor modificó repetidamente. En estas obras del final de su vida se anuncia ya la típicapintura veneciana, con su predilección por el colorido y la luz bajo influencia de Giorgione. A la muerte de Bellini, poco después (1516), Tiziano modificó el paisaje a la izquierda para que hiciera juego con su obra La Bacanal, también en el camerino de Alfonso.
La pintura fue comprada al Duque de Northumberland por el magnate estadounidense Peter A. B. Widener en 1925, y más tarde entró en las colecciones de la Galería Nacional de Arte deWashington, D.C. con el resto de su colección.
-Embriaguez de Noé
Se conserva en Musée des Beaux-arts, en Besanzón (Francia). Fue pintado alrededor de 1515. Está realizado al temple sobre tabla y mide 103 cm de alto por 157 cm de ancho.
La pintura pertenece a la última etapa de la carrera del artista, cuando absorbió la novedad de la tonalidad de Giorgione. Atribuida en el pasado a diversos artistas como a Cariani (por Bernard Berenson), al joven Lorenzo Lotto (por Gilbert, 1956) y al joven Tiziano (por Heinemann, 1962), fue reconocida como una obra tardía de Bellini por Roberto Longhi, experto cuya opinión siguieron todos los sucecivos críticos, incluyendo al mismo Berenson quien cambió su opinión inicial en 1957.
-Giorgione
-La Venus Dormida
Se trata de una de las últimas creaciones de Giorgione, realizada hacia 1510. Posee las siguientes dimensiones: 108,5 cm de altura por 175 cm de longitud.
Su primera locación según Rinaldi fue la Casa Marcello de Venecia. Posteriormente pasó a la Casa de Este, linaje que gobernaba los ducados de Ferrara y Módena. En 1746 fue vendida, en un lote de obras maestras de los Este, a la alemana Casa de Sajonia, y actualmente se encuentra en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde (Alemania).
Era considerada una "copia de Sassoferrato de un original de Tiziano" hasta que el crítico del arte italiano Giovanni Morelli la atribuyó correctamente a Giorgione.
La pintura retrata a una joven mujer desnuda, cuyo perfil parece acompañar al paisaje que le sirve de trasfondo. Giorgione ha puesto mucha atención al pintar ese paisaje, lo cual se hace notar en los detalles y los sombreados, de este modo la obra posee una exquisitez y un puro ritmo de línea y contorno. La textura de las figuradas telas en donde yace tranquilamente la diosa y el armonioso, bucólico paisaje, dotan a este cuadro de un justo equilibrio entre la placidez y la sensualidad. La obra quedó inconclusa debido al fallecimiento del Giorgione, y el cielo fue posteriormente acabado por Tiziano.
-La Tempestad
Pintura atribuída al pintor veneciano Giorgione, es uno de los cuadros más misteriosos de la Historia del Arte. A pesar de su pequeño tamaño, ha traído de cabeza a los investigadores que no se ponen de acuerdo sobre el tema representado ni el significado de esta obra.
Si analizamos la escena vemos que dentro de una paisaje boscoso, aparece una mujer semidesnuda, sentada amamantando a un niño, mientras una figura masculina la observa desde un lateral del cuadro. Al fondo, se puede ver una ciudad y un cielo tromentoso que acecha y amenaza a los personajes. La oscuridad se acerca sobre los personajes que siguen ajenos a la llegada inminente de la tempestad, este hecho es el que da nombre a la obra, puesto que ni siquiera sabemos su título original.
-Correggio
-La Asunción de la Virgen
Se trata de un fresco ejecutado sobre la cúpula de lacatedral de Parma, Italia, la cual tiene unas dimensiones de aproximadamente 11 metros de diámetro. Data de los años 1526-1530.
El contrato para realizar este fresco fue establecido el 3 de noviembre de 1522 entre Correggio y los responsables del mantenimiento de la catedral de Parma.
El fresco representa el momento de la asunción de la virgen, esto es, la subida al cielo, en cuerpo y alma, de la madre de Jesús. En los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de la ciudad: San Juan Bautista con el cordero, san Hilariocon un mantón amarillo, santo Tomás1 junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba.La composición no gira en torno a un eje central, como en el clasicismo, sino que está descentrada, «desestructurada», al modo que sería habitual en el barroco.A los pies de Jesucristo, la Virgen vestida de rojo y azul es alzada al cielo por un grupo de ángeles. Alrededor de la base del anillo, entre las ventanas, está el corro de los apóstoles sorprendidos como si rodearan la tumba vacía de María. Alrededor de la Virgen gira un torbellino de ángeles y otros personajes en movimiento, en varios círculos concéntricos y sentido ascensional. Entre ellos se reconoce a Adán y Eva, Judit con la cabeza de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. En el centro de la composición está Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su madre.
-Júpiter e Ío
En la actualidad, se conserva en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. En esta obra y El rapto de Ganimedes, Correggio alcanza la cima de sus posibilidades artísticas.2
Esta obra fue pintada como pieza que acompañaba a la citada El rapto de Ganimedes, conservada también en ese museo de Viena. Los dos cuadros, junto con otra pareja, la Dánae que se conserva en Roma y la Leda con el cisne de Berlín, forman un ciclo de cuatro telas pintadas por Correggio a partir del año 1530, con el título de «Los amores de Júpiter», encargada por Federico II Gonzaga para decorar la Sala de Ovidio en elPalazzo Te de Mantua; no obstante, fueron un regalo para el emperador Carlos V y en consecuencia, el ciclo fue dispersado fuera de Italia.
Ío era, según la mitología griega, una doncella de Argos, hija de Ínaco y sacerdotisa de Hera (o hija del reyYaso), a la que Zeus (dios griego del que es equivalente el Júpiter romano) visitó transformado en una gran neblina y aprovechó para arrebatarle su virginidad. Todo ello aparece narrado en Las metamorfosis de Ovidio, libro que se convirtió en fuente literaria de temas para la pintura manierista y la barroca.3 El cuadro representa el momento de la unión carnal entre Ío y Zeus que la envuelve en forma de nube, abrazándola.2 No resulta fácil representar a un hombre disfrazado de nube haciendo el amor a una joven: aquí lo resuelve haciendo entrever una mano y un rostro de hombre en la nube.
-Durero Alberto
-Cuatro Apóstoles
Durero regresó a Núremberg después de su viaje a los Países Bajos, envejecido y enfermo. Realizó entonces esta obra, considerada como su última obra monumental y especie de testamento espiritual, pues estas figuras «son por su presencia espiritual la encarnación, los pilares y las garantías de una fe y una moral nuevas y del estado universal y profundamente natural que fue el del maestro de Núremberg» (Zumthor).
Durero encargó un marco suntuoso para esta pintura y regaló estos Cuatro apóstoles al ayuntamiento de la ciudad, quizá para exhortar a guardar la fe luterana.
-Rinoceronte de Durero
La imagen se basaba en una descripción escrita y un conciso boceto, realizados por un artista desconocido, de un rinoceronte indio que había llegado aLisboa a principios de ese año. Durero nunca vería al rinoceronte real, el primer ejemplar vivo visto en Europa desde los tiempos del Imperio romano. A finales de 1515, el rey de Portugal, Manuel I, le envió el animal como regalo al Papa León X, pero murió al naufragar el barco que lo transportaba junto a la costa de Italia, a principios de 1516. No se volvería a ver un rinoceronte vivo en Europa hasta la llegada de un segundo ejemplar de la India a la corte española de Felipe II alrededor de 1579.2
A pesar de las imprecisiones anatómicas, el grabado de Durero cobró una gran popularidad en Europa y fue copiado en muchas ocasiones durante los tres siglos siguientes. Estuvo considerado una representación fiable de un rinoceronte hasta finales del siglo XVIII. Finalmente fue sustituido por pinturas y dibujos más realistas, especialmente del rinoceronte Clara, que fue exhibido por Europa en las décadas de 1740 y 1750. Sobre el grabado de Durero se ha dicho que: Probablemente ninguna otra pintura de un animal ha ejercido una influencia tan grande en las artes.
-Grunewald Matías
-Crucifixión
El retablo elaborado entre los años 1512 y 1516. Esta tabla central es la imagen más conocida de dicho retablo, y mide 269cm de alto, y 307 cm. de ancho. Está pintado al temple y óleo sobre panel de madera de tilo. Se encuentra en el Museo de Unterlinden en Colmar (Francia).
Esta imagen de la Crucifixión se ve con el retablo cerrado. Es una imagen dotada de una dramática expresividad.
El eje central es la Cruz en la que está Jesucristo, ligeramente descentrado. Jesucristo está crispado, y casi putrefacto, con heridas purulentas. La cruz de madera ha sido realizada a partir de un árbol groseramente tallado. Su brazo horizontal se comba al sostener el cuerpo imponente de un hombre martirizado, retratado en el último espasmo que precede a la muerte. Las manos clavadas a la cruz parecen contorsionarse convulsa mente, los brazos se extienden desarticulados por encima de la cabeza reclinada sobre el pecho, cubierta de una impresionante corona de espinas; la boca deshecha por el dolor parece haber exhalado ya el último suspiro.
-Escarnio De Cristo
Está pintado al temple y óleo sobre panel de madera. Se encuentra en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).
Es una de sus primeras obras, realizada hacia el año 1503; de hecho, es la más antigua cuya autoría no es controvertida.
Jesús de Nazaret se sienta, con los ojos vendados. Tiene los brazos y las manos atados con una cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un verdugo, delante de él, tira de la cuerda; otro, detrás, alza el puño para pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo. Por la derecha se añade a la escena un hombre, que lleva un bastón en su mano izquierda y con la derecha hace ademán de abofetear a Cristo. En el hombro de este verdugo apoya su mano otro hombre, más viejo, que parece estar hablándole. En el fondo de la imagen hay otros tres hombres: a la izquierda se ve a un músico tocar la flauta al tiempo que golpea el tambor. El más joven de los otros dos hombres parece indiferente, casi alegre. El tercero, del que sólo se ve con claridad la cabeza en el borde derecho del cuadro, aparece con el rostro desconsolado.
Domina el cuadro la fuerza de las emociones. La escena tiene un dramatismo hasta entonces inédito. Los rostros de los verdugos sólo expresan brutalidad, de modo casi caricaturesco, lo que recuerda a obras del Bosco como Cristo con la cruz a cuestas y a los estudios fisonómicos de Leonardo.
-Cranach Lucas
-La crucificción
Otra de las constantes de Cranach son los Cristos crucificados, como éste de 1500 que derivaría en una nueva variación tres años más tarde. Muy influido por la obra de Durero y Michael Pacher, Cranach desarrollaría una especial composición espacial de la perspectiva gracias a la disposición de las tres cruces, abandonando las dos laterales de los ladrones la frontalidad y adoptar un violento escorzo para individualizar con manifiesta fuerza visual la central de Cristo. El pintor expresa la torturada impotencia de la Virgen María ayudada por otras mujeres santas a los pies de Cristo.
-La Lamentación de la Virgen y San Juan ante Cristo crucificado
La engañosa simplicidad compositiva del cuadro esconde un estudiado análisis de la naturaleza, expresada con espontaneidad y complementada con los sentimientos de los personajes. María y Juan expresan su dolor por el Cristo crucificado en el Calvario con un torturado gesto de las manos, mientras el paisaje amplifica el dramatismo de la escena con un ligero estremecimiento del viento en las finas ramas de los árboles. La cruz de Cristo abandona la disposición frontal para aprovechar el espacio y penetrar aún más en el sentimiento romántico de la naturaleza, como reflejo de su sufrimiento. La luminosidad de los Alpes al fondo, distorsionando la fidelización de la realidad, contrasta con el agreste amarillo de la piel lívida de los crucificados.
-Hans Baldung Grien
-Las edades y la muerte
Elemento de reflexión cristiana que tuvo gran trascendencia en la Europa central, en la pintura flamenca, y en España. La Vanitas se refiere a lo efímero de los placeres mundanos y la presencia constante de la muerte, que convierte en vanos los placeres del amante desde el conocimiento del filósofo. Así, esta pareja, la Armonía y las Tres Edades, hacen evidente la belleza de la juventud y su capacidad para el amor, así como su final inevitable en la fealdad y la muerte, convirtiéndolas por tanto en inútiles. En esta tabla, de formato muy vertical, nos encontramos enfrentados a unas figuras cercanas al tamaño natural, lo que acerca al espectador a la escena contemplada. En esta escena, la muerte, calva, desdentada y con el vientre lleno de gusanos, agarra por el brazo a una vieja para llevársela, al tiempo que la vieja arrastra consigo a una joven malencarada y enjaezada con collares; a los pies de estas mujeres hay un bebé dormido, bajo la lanza rota de la Muerte.
- El Diluvio
Pintor y gravador renacentista alemán. Nació en Schwäbisch Gmünd (Suabia, Alemania), en el seno de una adinerada familia. Su padre era un célebre abogado y su tío era médico del emperador Carlos V, pero él dirigió sus pasos hacia la creación artística. En un primer momento se formó en talleres de Alsacia. Sin embargo, recién arrancado el nuevo siglo, en 1502, viajó a Nuremberg, donde entró a formar parte del taller de Durero, con quien le uniría una gran amistad el resto de su vida.
- Pieter brueghel
-Los cazadores en la nieve
Desde un primer plano muy elevado se lleva la mirada por un terreno abrupto.1 Por la izquierda del cuadro aparecen los cazadores, vueltos de espalda, seguidos por la jauría de perros. Entre ellos, las siluetas negras de los árboles van trazando una diagonal que lleva hacia el amplio paisaje que se abre ante ellos. Esa diagonal es el eje dominante de la pintura1 Predomina el blanco de la nieve. Sobre dos lagos helados, se practican juegos invernales. El cielo es plomizo.
Sobre este frío paisaje las figuras humanas, los animales y los árboles parecen sombras chinescas. El tema principal es el paisaje, un paisaje invernal en el que se representa la nieve, el hielo, anticipando los grandes logros en este género de la pintura barroca.
-El ícaro
es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.1 Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.2Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura enBruselas.
En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.
Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.
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